AC/CC

AC/CC est une formation poético-musicale composée de Sarah Albu à la voix et objets, Belinda Campbell au piano et électroniques, Marilou Craft à la poésie, textes ou manipulations de toutes sortes et Eric Craven aux percussions. Le rencontre est née lors du lancement de l’album CUCH- 187 60X44 de l’étiquette de disque Cuchabata Records en juin 2022. Depuis lors le groupe a participé à deux des éditions du Mardi Spaghetti à la Casa Del Popolo en octobre 2022 et janvier 2024, au IMOO en decembre 2023, au Festival Metropolis Bleu en avril 2023 et finalement au Suoni Per Il Popolo en juin 2023. Jusqu’à présent, leurs performances totalement improvisées surgissent de l’amalgameentre les choix de textes de Craft et la musique de Albu, Campbell et Craven. Marilou Craft décide quelques instants avant ce qu’elle lira, s’adaptant à la musique qui se crée au moment même. Cela peut prendre la forme de collage de ses textes, de recueils en entier ou de piger dans la culture populaire des inspirations ponctuelles comme par exemple de lire des réponses dans la culture populaire des inspirations ponctuelles comme par exemple de lire des réponses d’entrevues de Céline Dion.Les musiciens sur scène s'inspirent les uns les autres dans un mélange spontané de mots, de sons, de textures, de rythme ou de mélodie.

Geneviève Ackermann

Geneviève Ackermann a étudié la composition au Conservatoire de musique de Montréal auprès de Nicolas Gilbert, Jimmie Leblanc et Maxime McKinley. Bruits, sons, vibrations : c’est en écoutant la vie intérieure des sons que s’ouvre pour elle le véritable portail de vivre. Chaque sonorité est comme un être à part entière, qui nous parle d’une vie insaisissable, pourtant toute présence. Travailler avec les sons, c’est prendre soin d’une vie fragile qui s’exprime dans l’invisible. Geneviève est toujours à la recherche de l’inouï, de l’inconnu et du merveilleux, peu l invisible. Geneviève est toujours à la recherche de l inouï, de l inconnu et du merveilleux, peu importe les moyens d’y arriver (écriture, improvisation, avec ou sans moyens technologiques, etc.). Avec le temps, elle s’est intéressée particulièrement à la rencontre d’entre la poésie et la musique, manière de lier dans la création la voie de l’expression et celle du sens.

Magali Babin

Magali Babin est une artiste sonore dont les recherches abordent la perception sonore et la mémoire auditive en relation aux espaces de vie. À travers la rencontre, elle aborde l’écoute comme outil d’attention, de rassemblement et d’ouverture à l’altérité. Entre l’acoustique des paysages naturels, les contextes sociaux et la réminiscence sonore, l’artiste puise ses matériaux et crée des ambiances, des installations ou des expériences d’écoute. Dans ses récents projets, Magali Babin s’intéresse aux espaces publics sonores et à l’écoute collective. L’artiste s’est produite en performance et a présenté ses installations sonores dans le cadre de festivals internationaux au Canada, aux États-Unis, en Europe et au Mexique.
https://magalibabin.com/

Nathalie Baroud

Comédienne, auteure et metteure en scène, Nathalie se passionne de la création. De la conception à l'interprétation, elle participe à la réalisation de différents projets destinés aux arts de la scène et aux médias. Elle fonde Voltage en 2009 avec la mission de réaliser des événements spéciaux où les arts vivants sont à l’honneur. Avec la compagnie À voix haute, elle donne chair à des œuvres narratives de la littérature québécoise et internationale. En 2021, elle remporte le prix Rideau dans la catégorie Interprétation de l’année pour son rôle de La fille qui intègre dans J’accuse d’Annick Lefebvre.

Dominique Berthet

Professeur des Universités, il enseigne l’esthétique à l’Université des Antilles. Fondateur et responsable du CEREAP (Centre d’Études et de Recherches en Esthétique et Arts Plastiques). Fondateur et directeur de la revue Recherches en Esthétique. Membre du CRILLASH (Centre de Recherches Interdisciplinaires en Lettres, Langues, Arts et Sciences Humaines, Université des Antilles). Chercheur associé à l’Institut ACTE (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne). Critique d’art, membre de l’AICA-France. Commissaire d’expositions. Il a publié notamment : Art contemporain en Martinique, nouvelle édition, L’Harmattan, 2020 ; L’incertitude de la création. Intention, réalisation, réception, Presses Universitaires des Antilles, 2021 ; L’art change-t-il la vie ?, Presses Universitaires de Provence, 2022 ; Art et pratiques du détournement, (dir.), L’Harmattan, 2023.

Sandeep Bhagwati

Poète, enseignant, chercheur, artiste médiatique, chef d'orchestre, metteur en scène et directeur de théâtre. Son travail transcende les frontières entre la musique, l'art-action, la poésie, la culture et la technologie. Son répertoire, vaste et diversifié, s'étend de la composition orchestrale et de la comprovisation aux installations-concert multimédias, en passant par le théâtre musical, l'opéra, la musique de chambre et la musique assistée par ordinateur. Ses œuvres sont jouées dans le monde entier dans des festivals et des lieux prestigieux par des orchestres et des ensembles musicaux de premier plan.

Sandeep Bhagwati is composer, theatre maker and researcher [studies in Salzburg, Munich & Paris]. His compositions/comprovisations are performed worldwide. He has curated festivals and trans-traditional projects with Asian musicians. As Canada Research Chair for Inter-X Art at Concordia University Montréal since 2006, he founded matralab, a research/creation node for live arts. Since 2013, he leads trans-traditional ensembles in Berlin & Pune. He directs TENOR, an international network for notation technologies and co-edits TURBA - The Journal for Global Practices in Live Arts Curation. His work was the focus of a “Homage Season” 2023/24 initiated by the Quebec New Music Society (SMCQ) matralab.hexagram.ca

Léa Boudreau

Léa Boudreau est une artiste sonore qui travaille avec l'électronique et l'installation. Son travail a été exposé et diffusé un peu partout dans le monde, entre autres au Festival International Musique Actuelle de Victoriaville (FIMAV), au Mixtur Festival de Barcelone, au Festival Akousma de Montréal, au Sonorities Festival de Belfast ainsi qu'au festival MUTEK Montréal. Elle a reçu de nombreux prix et bourses au cours des dernières années : bourse d'étude de maîtrise CRSH en 2022, bourse Dora & Avi Morrow et bourse Concordia Fine Arts en 2021, 2e et 3e prix JTTP de la Communauté électroacoustique canadienne en 2020 et 2019, etc. Elle est actuellement étudiante à la maîtrise en arts plastiques à l'université Concordia.
Ce projet se veut une continuité dans le travail installatif et performatif de Boudreau, intégrant circuit-bending et dispositifs fabriqués sur-mesure, explorant et s'amusant avec les champs électromagnétiques présents autour des objets trouvés et rassemblés pour l'occasion.

Marie-Annick Béliveau

Mezzo-soprano Interprète de premier plan, la chanteuse Marie-Annick Béliveau se fait entendre sur les scènes montréalaises depuis plus de 25 ans. Elle a créé plus d’une trentaine d’opéras et d’œuvres vocales de compositeurs canadiens et européens. Depuis juin 2022, elle est la directrice artistique de la compagnie lyrique de création Chants Libres, fondée il y a 30 ans par Pauline Vaillancourt. D’autres formes de collaborations lui permettent aussi de tisser des liens avec des artistes et compositeurs renommés, tout en développant son goût pour la conception et la direction artistique. Artiste ancrée dans sa communauté, elle enseigne le chant classique à l’UQAM et chante depuis plus de 12 ans pour la Société pour les Arts en Milieux de Santé. On retrouve en outre sa voix sur plusieurs enregistrements, dont les musiques du Cirque du Soleil et dans plusieurs films (Violon Rouge, Paul à Québec).
Sa passion pour l’exploration lyrique résonne également dans le monde académique : doctorante dans le programme Études et pratiques des arts à l’UQAM, Marie-Annick Béliveau réalise un projet de recherche-création dans lequel elle questionne les modes de conception et de production de l’art lyrique et la posture de l’interprète-créateur-médiateur.

Sophie Cabot

Sophie Cabot est artiste interdisciplinaire, médiatrice culturelle et doctorante en Études et pratique des arts à l’Université du Québec à Montréal. Elle s’intéresse à l’art in situ et in socius comme lieu réflexif; en particulier à la marche comme forme artistique et propice aux rencontres imprévues avec les êtres vivants. Les récits, l’écologie sonore de même que les mouvements, le dessin, la photographie façonnent les œuvres qu’elle propose. Ses créations ont été présentées à Montréal (2022-2023), Carleton-Sur-Mer (2022), New York (2018), Grèce (2019, 2021, 2023), Portugal (2020), Espagne (2022).

Éliane Cantin

Technicienne en travaux pratiques au département de danse de l'UQAM, Éliane Marie-Laure collabore à l'élaboration des spectacles chorégraphiques et des projets de recherche du Laboratoire Arts Vivants et Interdisciplinarité (LAVI). Formée en électronique audiovisuelle, en technologies des arts de la scène et en musique électroacoustique, elle étudie à la maîtrise en communication (média expérimental). Son travail artistique explore avec sensibilité la temporalité et la spatialité. Ses créations sont instinctives et inspirées par la conception de collages sonores et visuels.

Stephanie Castonguay

Férue d’expérimentations, Stephanie Castonguay interroge les circuits électroniques comme processus tangible et sensible ancrée dans la matérialité. Ielle démonte et réutilise de petites machines obsolètes, à peine audibles, pour révéler leurs résonances, glitchs et les imprévisibles délices sonores qui s’y cachent. Évoquant l’espace liminal entre les domaines de l’imperceptible et de la physicalité, ses performances incarnent une approche ritualistique, éthérée et sombrement contemplative. Son travail est présenté dans de nombreux évènements, tels que LAB30, Instruments Make Play, STEIM, MUTEK, Tsonami Sound Art Festival, Athens Digital Arts Festival, Musica Ex Machina Festival, Sight & Sound, Klangmanifeste et plus récemment au Instrument Inventors Initiative.

Aisen Caro Chacin

Aisen Caro Chacin est une composition régénératrice de cellules qui produisent une femme, une Vénézuélienne, une Espagnole, un Américaine et un animal dont les schémas de migration ne sont pas fondés sur les différentes saisons, mais plutôt sur le hasard, le chaos et les occasions.
Artiste intermedia, elle dirige le laboratoire de prototypage médical de l'University of Texas Medical Branch et est professeure adjointe de pathologie à la faculté de médecine. Elle est aussi professeure adjointe à l'école d'art de l'université de Houston, où elle a également obtenu son baccalauréat en beaux-arts. Elle est membre fondatrice du Medicine and Arts Program à l'UCLA et est titulaire d'un MFA en design et technologie de la Parsons the New School.
Les recherches et la pratique de Mme Chacin se concentrent sur la perception sensorielle, la relation et l'intégration homme-machine, ainsi que sur les implications techniques et philosophiques de l'incarnation et de l'incorporation par le biais de corps et de réalités artificielles à une époque marquée par un développement de la connaissance. Son travail se situe à l'intersection des œuvres d'art des nouveaux médias, des interfaces homme-machine, des dispositifs médicaux et de l'art des dispositifs d'assistance (ADA), englobant l'art sonore, les interfaces de substitution sensorielle, la réanimation, l'écholocalisation humaine, l'haptique, l'automatisation médicale, la simulation chirurgicale et la mode.

Aisen Caro Chacin is a regenerating composition of cells that produce a woman, a Venezuelan, a Spaniard, a U.S. American, and an animal whose patterns of migration are not based on seasons, but rather chance, chaos, and opportunity. She is an artist and leads the medical prototyping lab at the University of Texas Medical Branch and is an Assistant Professor in Pathology at the School of Medicine. She is Adjunct Faculty at the School of Art at the University of Houston, where she also received her BFA. Dr. Chacin's research and practice focus on sensory perception, the human-machine relationship and integration, and the technical and philosophical implications of embodiment and incorporation through artificial bodies and realities in a time of conscious evolution. Her work is an intersection of new media artworks, human-computer interfaces, medical devices, and Assistive Device Art (ADA), encompassing sound art, interfaces for sensory substitution, resuscitation, human echolocation, haptics, medical automation, surgical simulation, and fashion.

Yvel Champagne

Artiste interdisciplinaire, Yvel Champagne réalise et chante, sous le nom de Cham-Pang, des albums considérés comme des classiques de la musique expérimentale et alternative au Québec et dans le monde (Ne mourrez pas, Disques YUL, 1981 et Tant pis 81-21, Disques Tanzier, 2017). Elle présente des performances à Montréal, New York, Milan, Osaka, joue dans des fi lms, et collabore depuis 1970 à de nombreux projets multimédias et de musique électroacoustique.

Dorah S Claude

Dorah S Claude est un·e artiste-chercheur·euse, doctorante à l’UQAM dans le département d’études et pratiques des arts. Ses recherches portent sur relations entre les entités humain·es et non humain·es dans les métavers. À partir du médium de la réalité virtuelle, iel crée des expériences immersives, des performances et des installations vidéo.

Gabrielle Couillard

Après un baccalauréat en études théâtrales à l’UQAM, Gabrielle Couillard a exploré l’univers du spectacle vivant autant au son qu’à la production, particulièrement intéressée par la conception d’espaces sonores évocateurs de lieux et de sentiments marquants. Effectuant présentement une maîtrise recherche-création en média expérimental, elle entremêle différentes expériences de création et techniques audio, dont la poésie, le field recording et les transformations sonores en chaîne, pour créer de petits univers sonores abstraits. Elle s’intéresse tout particulièrement aux questions touchant la spatialisation sonore et l’immersivité, autant d’un point de vue technique que créatif. Elle explore la relation entre le corps et l’espace à travers le son à partir de sa propre expérience du corps en situation de handicap (Dispositif Espace-Corps, UQAM, 2022-2023). Depuis 2019, elle mêle à sa pratique l’improvisation sonore par télématique, avec entre autres des collaborateurs de Colombie (Festival international de la imagen, 2020 et 2021), de Toronto (série Exit Points, produit par Michael Palumbo) et de Montréal (dont la série Live drone avec Kasey Pocius, webdiffusions hebdomadaires ayant duré un an au cœur de la pandémie).

Denis Courchesne

Chargé de cours à l’UQAM, Denis est batteur de profession et collaborateur musical pour plusieurs grands noms de l’industrie. Spécialisé dans l’accompagnement et la direction musicale, il étudie au doctorat en études et pratiques des arts où il s’intéresse aux liens entre la dynamique corporelle et l’expression musicale par l’observation et l’analyse du mouvement (OAM).

Tommy Davis, Kasey Pocius & Vincent Cusson

Tommy Davis, Kasey Pocius et Vincent Cusson sont des artistes et des chercheurs de Montréal. Leurs projets portent sur l'improvisation de programmes informatiques et d'agentivité numérique, la conception et l'augmentation d'instruments, et l'interaction homme-machine.

Tommy Davis, Kasey Pocius, and Vincent Cusson are Montreal-based artists and researchers. Their projects focus on improvising computer programs and computer agency, instrument design and augmentation, and human-computer interaction.

Claire Dehove

Claire Dehove est une artiste diplomate, directrice de WOS/agence des hypothèses, ambassadrice de la MétaNation et ambassadrice des Communs. WOS a été créée en 2004 à Paris et a généré des “dispositifs contributifs“ tels que Hall de Gratuité à Bobigny, Libre Ambulantage à Dakar, les Anarchives de la Révolte ou encore les Anarchives de la Migration. WOS expérimente des institutions artistiques et politiques dont le Ministère des Affaires et Patentes, Humaines, Animales, Végétales et Élémentaires (MAPHAVE) à Montréal avec Eric-Létourneau en 2015, l’Ambassade des Communs à Bordeaux en 2016 et l’Ambassade de la MétaNation avec Quebracho Théâtre en 2018 au Centre Pompidou à Paris et qui a poursuivi ses itinérances jusqu’à Beyrouth en 2023. Claire Dehove est agrégée d’arts plastiques, Docteure en Esthétique et Sciences de l’art, intervenante à l’Université du Bien Commun de Paris et chercheuse au PAS (Praxis Art Sororité lab).

Dimitri Delphin

Dimitri Delphin est un artiste numérique qui explore des questionnements universels à travers des expériences singulières. Sa pratique artistique est nourrie par son vécu et son expertise en création multimédia. Diplômé en montage et effet visuel en France puis spécialisé en médias interactifs à Montréal, il a travaillé comme chargé de projet multimédia dans différentes compagnies créatives. Il décide d'entamer la maîtrise en communication profil recherche-création en média expérimental de l’UQAM à l'automne 2021 afin de continuer à développer son processus de création. Dimitri crée des œuvres qui touchent aux récits et témoignages, à travers le contenu acquis sous différents médias, pour susciter de nouvelles réflexions sur nos histoires communes. Il partage son temps entre sa recherche, et des mandats de conception et production en art numérique en tant que consultant.

Ricardo Dal Farra

Professor of electronic arts at Concordia University, Canada. Director of the international symposia Balance-Unbalance (BunB) on art-science and the environmental crisis; and Understanding Visual Music (UVM). Dal Farra has been coordinator of the Multimedia Communication Area of the Ministry of Education, Argentina; researcher at the Music, Technology and Innovation Research Centre of De Montfort University, UK; coordinator of the international alliance DOCAM - Documentation and Conservation of the Media Arts Heritage; senior consultant of the Amauta New Media Art Centre of Cusco, Peru; director of the Hexagram Centre for Research-Creation in Media Arts and Technologies, Canada; and researcher of UNESCO, France, for its project Digi-Arts. Creator of the Latin American Electroacoustic Music Collection hosted by the Langlois Foundation.
Member of the editorial board of Leonardo (MIT Press) and Organised Sound (Cambridge Press), and the board of directors of ISEA (International Symposium on Electronic Arts). Ph.D. in Arts, he is a composer and transdisciplinary artist.Sound transduction that transforms the expected into the unexpected when the system changes the very essence of the human.

Sylvie Ferré

Archiviste depuis plus de 30 ans en art performance et poésie sonore, commissaire d’expositions, conférencière, et directrice artistique du Festival Polysonneries basée à Lyon. Depuis février 2003, Sylvie tient une tribune permanente sur la performance dans le Bloc Notes mensuel édité par la MAPRA, et couvre de nombreux festivals à l’étranger. Elle collabore à la réalisation du catalogue du Festival d’Avignon 2005 et à la revue belge « Alternatives Théâtrales » et écrit plusieurs préfaces ou monographies pour des livres d’artistes : Jan Fabre(B), Kirsten Justesen(D), Roi Vaara (F), Lamberto Pignotti… Une série de conférences intitulée : "La Performance : un constat d'intérêt public" ouvre un dialogue permanent avec la communauté artistique internationale et des étudiants venus de divers horizons. Elle permet de diffuser l'information auprès d'un public plus large. Les recherches de Sylvie s’intéressent aux liens qui peuvent s’établir entre la poésie et toutes les autres formes artistiques : plastiques, performatives et technologiques. Depuis Juin 2024, elle anime une émission sur Radio Bellevue à Lyon sur l’Art Performance et la Poésie Sonore. Simultanément, un film résumant son parcours dans le milieu performatif international a été tourné par François Massud, directeur de la revue Doc(k)s et est visible sur le web sur « Poésie is not dead ». Sylvie vient de donner une partie de ses archives personnelles de poésie sonore qui sera bientôt disponible au sein au sein du laboratoire Musiques cachées du GRMS à l’UQAM.

Coralie Gauthier

Coralie Gauthier reçoit une formation classique au Conservatoire de Musique de Montréal et un baccalauréat en Musique de l'Université Concordia, étudiant la harpe électroacoustique aux côtés de Sarah Pagé. Sa curiosité la pousse à explorer une pratique hétérodoxe intégrant les pédales d’effets et le traitement sonore en direct. Elle pratique la harpe jazz au Brésil auprès d’artistes de renom tels que Park Stickney et Deborah Henson-Conant, et collabore à plusieurs projets de danse contemporaine (Festival Quartiers Danse, Centre Phi, Musée d’art contemporain). Performant localement et à l’international au sein de divers ensembles depuis plus de dix ans, elle déploie désormais ses efforts sur la scène électronique expérimentale montréalaise. Son premier album solo pour harpe et instruments électroniques paraitra cette année.

Anne-F Jacques

Anne-F Jacques est une artiste sonore travaillant à Montréal. Elle s'intéresse à l'amplification, aux interactions obliques entre matériaux et à la construction de divers systèmes et assemblages idiosyncratiques. Son (in)attention se concentre plus particulièrement sur les technologies légères, les objets banals et les sons rugueux. Elle réalise régulièrement des installations sonores, des performances et des interventions éphémères dans des endroits improbables ainsi que des ateliers sur le détournement d’électronique domestique. Elle a notamment collaboré avec le festival Tsonami (Chili), Experimental Intermedia (New York), Ftarri (Tokyo), CTM (Berlin), Umbral (Mexique), Centrale for Contemporary Arts (Bruxelles), High Zero (Baltimore) et MEM (Bilbao).

François-Joseph Lapointe

François-Joseph Lapointe est biologiste et bioartiste, professeur au Département de sciences biologiques de l’Université de Montréal où il dirige le Laboratoire d’écologie moléculaire et d’évolution. Dans le cadre de ses recherches scientifiques, il s’intéresse à la phylogénétique, à la systématique, à la métagénomique ainsi qu’à la génétique des populations. Auteur d’une centaine de publications, il a également développé plusieurs tests statistiques et algorithmes en bioinformatique.
En 2012, il obtient un doctorat en études et pratiques des arts à l’Université du Québec à Montréal sous la supervision de Martine Époque. Dans le cadre de sa thèse intitulée « la choréogénétique, ou l’art de faire danser l’ADN » il a produit un algorithme pour générer des chorégraphies à partir de séquences génétiques. Pour sa pratique artistique, il s’inspire des modèles de la biologie moléculaire et de la génomique. Son plus récent projet en bioart consiste à séquencer son microbiome afin de générer des égoportraits métagénomiques.Son travail artistique a notamment été présenté au Musée de la civilisation (Québec), Transmediale (Berlin), SciArt Center (New York), Ars Electronica (Linz), Medical Museion (Copenhague), Science Gallery (Londres) et au Centre Pompidou (Paris).

Suzanne Leblanc

Suzanne Leblanc vit et travaille à Québec. Elle est professeure associée à l’École d’art de l’Université Laval. Elle détient un doctorat en philosophie et un doctorat en arts visuels. Elle a exposé des œuvres d’art médiatique au Québec et elle a contribué à des ouvrages collectifs dans le domaine de l’art au Canada et en Europe.

Madeleine Leclair

Anciennement responsable du département d’ethnomusicologie au Musée du Quai Branly (Paris), maintenant conservatrice en chef du secteur musique du Musée d’ethnographie de Genève (MEG), Madeleine Leclair est responsable de l’une des importantes collections d’enregistrements ethnomusicologiques d’Europe. Dans le cadre du projet de recherche Musiques cachées : écouter la diversité sonore, elle proposera un atelier-conférence en deux parties au cours duquel nous partagerons d’abord l’écoute d’enregistrements comportant des amalgames sonores particulièrement inhabituels aux façons occidentales de concevoir la musique et l’art audio.

Vivian Li

Originaire de Chine et basée à Montréal, la pianiste de formation classique Vivian Li étudie la musique jazz et la composition au CEGEP , et poursuit actuellement des études en électroacoustique à l’Université de Montréal. Malgré une formation rigide, sa pratique dépasse le domaine musical traditionnel, qu’il s’agisse d’installations sonores et visuelles ou de production radiophonique, en passant par la performance live. Fascinée par l’inconnu et l’inexploré, elle diversifie son art à l’aide de créations spontanées et expérimentales; à ce titre, son premier EP cherche à montrer le côté musical de nos environnements quotidiens.

Éric Dumaine Létourneau

André Éric Létourneau est  artiste interdisciplinaire, en art action et créateur radiophonique, en plus de poursuivre une démarche en arts technologiques. Depuis les années 1990, son travail est présenté à travers le monde, notamment aux Biennale d'Afrique de l'est (Burundi), Biennale de Paris, Kunsthalle à Bâle (Suisse), Festival Longueur d’Ondes (Brest), Festival Experimenta_Sur (Bogota) et à Emily Harvey Foundation (New York).
Docteur en arts visuels de l'Université de Strasbourg, il a également été formé en art vocal au théâtre au Roy Hart Theater et en marionnette en théâtre musical auprès de professeurs de l'ISI (Bali, Indonésie). Il a également poursuivi des classes de maître avec différents artistes de la performance et de l'art action, notamment Sylvie Tourangeau, Ben Vautier, Genesis P-Orridge, Esther Ferrer, Arahmaiani et Jean Dupuy.
Il réalise des projets qui s'inscrivent à la frontière de l'art action, de la musique, des arts électroniques et des arts visuels. Il a œuvré auprès de nombreux organismes de production et de diffusion, notamment à Radio-Canada, à Chant Libres et au et à la Grace Exhibition Space (New York). Professeur à L’UQAM, il a codirigé le réseau international de recherche Hexagram entre 2015 et 2018. Il a enseigné aux étudiants des options théâtre et cinéma du baccalauréat interdisciplinaire en arts de l'Université du Québec à Chicoutimi, à la Chaire de recherche du Canada en dramaturgie sonore au théâtre et à l’Université Nationale de Colombie.

Émilie Mouchous

Émilie Mouchous est une artiste sonore qui fabrique ses propres circuits électroniques. Elle vit et travaille à Montréal. Ses activités d’exploration spatiale, temporelle et sonore se caractérisent par la création de mini-systèmes autonomes émergeant tour à tour sous la forme de dispositif radiophonique, performance, série d’objets électroniques, intervention in situ, art web, écriture, et improvisation libre et collaborative. Elle s’inspire souvent de l’écoute et de l’observation de la faune et de la flore indigène et envahissante ainsi que de la singularité des espaces qu’elle investit.

André-Louis Paré

Depuis décembre 2013, André-Louis Paré est directeur et rédacteur en chef de la revue ESPACE art actuel. À titre de critique et théoricien de l’art, il collabore à diverses revues québécoises se consacrant à l'art contemporain. Il est aussi l'auteur de plusieurs opuscules et textes de catalogue. En tant que commissaire d’exposition, il a signé ou cosigné plusieurs expositions d’art contemporain présentées à Gatineau, Montréal, Québec et Saint-Hyacinthe. Il a fait partie de plusieurs jurys d’arts visuels. Il est membre d’AICA Canada.

Kasey Pocius

Originaire de St. John’s (Terre-Neuve), Kasey Pocius est un·e artiste multidisciplinaire situé·e à Montréal (Québec) qui a grandi en expérimentant avec des logiciels de montage audio et vidéo tout en poursuivant une formation classique en alto et en piano. En 2014, Kasey a commencé à se concentrer plus intensément sur la création d’œuvres numériques. Son travail explore à la fois les éléments synthétisés et la transformation des enregistrements de terrain pour explorer des concepts politiques et abstraits. En dehors des œuvres électroniques fixes, iel a aussi poursuivi des performances de médias mixtes en temps réel, à la fois en tant que soliste et dans des environnements collaboratifs collaboratifs tels que CLOrk & Fillesharmoniques.

Viande Savante

VIANDE HYPER-SAVANTE : duo expérimental Maskinongé/Saint-Alphonse-Rodriguez:
Credo quia escam
Une suite de tartares bruitistes et post-post-club inspirée du terroir médiatique et sanguin de notre époque... Enregistré au studio La Dent Mystique entre novembre 2023 et août 2024!

Gaëlle Scali

Artiste sonore et plasticienne d’origine française, Gaëlle Scali vit et travaille à Montréal au Québec. Elle s’intéresse aux pratiques de composition musicale assistées par ordinateur, à la performance live électronique et à l’histoire des musiques électroniques. Également impliquée dans une démarche en art visuel, elle s’intéresse au territoire médiatique de la musique « techno » , à sa dimension technique, culturelle, sociale, esthétique et à la médiatisation du son dans les arts visuels. Ses recherches actuelles mettent en tension des systèmes visuels génératifs d'objets fractals à partir de la création sonore expérimentale pour la live electronic music. Avec l'aide de collaborateur.ices, elle élabore une interface numérique de musique-visuelle perçue comme une interface de composition post-picturale propice à l'exploration sonore et esthétique de paysages "cyberpsychédéliques". Ses créations sonores et ses recherches ont été présentées dans des festivals de musique électronique et expérimentale comme Mutek Montréal, Ars Electronica, Festival Montréal/ Nouvelles Musiques, Printemps de Bourges.

Vagin Soleil

Humide et fraîche dans le maraicher, la musique s'immobilise pour mieux remuer. Mouvement métastable de l'étable toute construite d'érable : les animaux de la ferme sont en forme et déforment nos prétentions. Une comptine résonne, mais l'enveloppe du cerveau évite le caniveau : on veut du propre, sans main sale, sans mâle sain, sans femme forte, sans fête en forme de fête. No lieu réacteur est ici accompagné du vent visible ne touchant à rien, une course vers l'infini des sensations et de son ontologie désertique à Lac Mégantic.
Vagin Soleil est une constitution de Karen Eliott Trudeau, Erika Dumaine, Monty Lehmann et Brad Bull Pittman, Enregistré et produit aux studios Betrav, Montréal et La dent mystique, Saint-Alphonse-Rodriguez.

Rosalie Chrétien et Christelle St-Julien

Christelle Saint-Julien et Rosalie Chretien chantent. Leurs voix sont agrémentées d’effleurement de harpe, de percussions disparates et d’une panoplie de petits instruments et objets qui les inspirent. Leurs explorations collaboratives sont un partage intime inspiré du quotidien.

Alexandre St-Onge

Alexandre St-Onge est un artiste intermédia ainsi qu’un performeur sonore. Il détient un doctorat en études et pratiques des arts et il est professeur adjoint à l'École d'art de l'Université Laval. Il a réalisé plus d'une vingtaine de publications et fondé une maison d’édition. Il a présenté son travail au Québec, au Canada, au Chili et dans divers pays d'Europe.

Loli Tsan

Ayant grandi dans une famille de compositeurs, pianiste classique et titulaire d’un Ph.D. en Linguistique et Littératures Romanes (Romance Linguistics and Literatures) de UCLA, Loli Tsan est professeur de littérature médiévale à la State University of NY. Elle est l’auteur d’une thèse intitulée Fragmentation et Ecriture du Corps au Moyen Âge et d’un ouvrage intitulé L’Art à l'épreuve de la singularité. Sa recherche actuelle s’applique à la musique au-delà du son et étudie les parallèles entre l’art invisuel et la désintégration sonore en musique.

Manette Workman

Manette Workman réalise des concerts dans des lieux inhabituels. Voici une captation réalisée dans la  grande salle symphonique du Centre d'épuration de l'âme, en Interzone. Enregistré, devant un public invisible, le 9 mars 2024

Adam Zaretsky

Originaire de l'état de New York, Adam Zaretsky est un artiste, ou « bioartiste », qui travaille avec des pionniers du bio-art tels que Joe Davis, Oron Catts et Ionat Zurr. Outre les installations de bio-art sur lesquelles il travaille actuellement, Zaretsky a créé un grand nombre d'œuvres d'art numériques, de collages, de photographies, de performances et de conférences.

Si l'humour reste un pilier de l'œuvre d'art et de la pratique scientifique de Zaretsky, ses efforts sont fondés sur un complexe effort de compréhension des questions biologiques et génétiques, lesquelles font partie intégrante de la société contemporaine. À cette fin, les nouvelles technologies explorées à des fins scientifiques et médicales peuvent également être testées sur le terrain artistique. Il est possible de remettre en question le rôle de ces technologies et leurs implications pour les êtres humains sur les plans moral, politique et pratique.
Historiquement, ces questions ont rarement été abordées de manière positive.

Le travail de bio-art de Zaretsky est motivé par sa propre série de dilemmes éthiques suscités par l'histoire passée. La biologie a déjà été utilisée à des fins esthétiques, avec bien sûr des répercussions horribles. « Nous glissons vers l'eugénisme », commente Zaretsky. « Nous n'avons pas toujours fait preuve du meilleur goût. Non pas que les artistes aient toujours fait preuve d'un meilleur goût, mais ils ont fait preuve d'un goût obscur. Si nous commençons à concevoir des humains améliorés, il faudra bien que quelqu'un conçoive des humains « punk », des humains à carreaux. Ce dont je me rends compte », dit-il , »c'est que nous sommes sur le point de modifier génétiquement les êtres humains en fonction des modes populaires.»

Ensemble Déplacer d'l'air

Déplacer d'l'air se distingue comme étant le tout premier ensemble de saxophones et d'électroniques exclusivement féminin auDéplacer d'l'air réunit deux générations de musiciennes actives dans divers milieux professionnels et évoluant dans une multitude de genres musicaux tels que le rock, le jazz, le free jazz, l’expérimental , l’improvisation libre, la musique contemporaine et la musique électronique. Rassembler ces artistes est un acte d’unification, de création et de guérison à travers cette praxis féministe. Le travail de l’ensemble repose sur une approche musicale revendicatrice centrée sur la création collective pour son aspect foncièrement militant. Alliant différentes méthodes d'expression musicale dont l’utilisation des modes de jeux alternatifs explorant la technique étendue des saxophones et les combinaisons inattendues avec les électroniques.

Choeur queer

Chœur queer est un ensemble d’explorations vocales né en 2022. Constitué de personnes représentant diverses lettres de l’acronyme LGBTQIA+, il kaléidoscope nos conceptions du genre, de la création artistique, de l’écoute en scène. Au moyen de spectacles de performance interdisciplinaire, de courtes prestations et d’ateliers de médiation culturelle, Chœur queer s’inscrit dans un esprit de démocratisation des arts vivants ainsi que d’ouverture à la diversité sexuelle et à la pluralité des genres.

Les frères senseurs

Les frères senseurs aiment tout ce qui recouvre la peau sur la peau, l’esprit sur l’esprit, la volonté sur la volonté, la beauté sur la beauté, l’inutile sur l’inutile, la fois sur la foi, les pastèques sur les pastèques, les pistaches sur les pistaches et les terriers sur les terriers. Ils vivent dans les grottes souterraines de Saint-Léonard et dans la mine de graphite de Saint-Alphonse-Rodriguez. Enregistré à Saint-Léonard, remisé chez James Schidlowsky' et remixé au studio La dent mystique en 2014.par Erika Dumaine. Les frères senseurs sont Michel Desrochers et Éric Létourneau.