Les frères senseurs aiment tout ce qui recouvre la peau sur la peau, l’esprit sur l’esprit, la volonté sur la volonté, la beauté sur la beauté, l’inutile sur l’inutile, la fois sur la foi, les pastèques sur les pastèques, les pistaches sur les pistaches et les terriers sur les terriers. Ils vivent dans les grottes souterraines de Saint-Léonard et dans la mine de graphite de Saint-Alphonse-Rodriguez. Enregistré à Saint-Léonard, remisé chez James Schidlowsky' et remixé au studio La dent mystique en 2014.par Erika Dumaine. Les frères senseurs sont Michel Desrochers et Éric Létourneau.
AC/CC est une formation poético-musicale composée de Sarah Albu à la voix et objets, Belinda Campbell au piano et électroniques, Marilou Craft à la poésie, textes ou manipulations de toutes sortes et Eric Craven aux percussions. Le rencontre est née lors du lancement de l’album CUCH- 187 60X44 de l’étiquette de disque Cuchabata Records en juin 2022. Depuis lors le groupe a participé à deux des éditions du Mardi Spaghetti à la Casa Del Popolo en octobre 2022 et janvier 2024, au IMOO en decembre 2023, au Festival Metropolis Bleu en avril 2023 et finalement au Suoni Per Il Popolo en juin 2023. Jusqu’à présent, leurs performances totalement improvisées surgissent de l’amalgameentre les choix de textes de Craft et la musique de Albu, Campbell et Craven. Marilou Craft décide quelques instants avant ce qu’elle lira, s’adaptant à la musique qui se crée au moment même. Cela peut prendre la forme de collage de ses textes, de recueils en entier ou de piger dans la culture populaire des inspirations ponctuelles comme par exemple de lire des réponses dans la culture populaire des inspirations ponctuelles comme par exemple de lire des réponses d’entrevues de Céline Dion.Les musiciens sur scène s'inspirent les uns les autres dans un mélange spontané de mots, de sons, de textures, de rythme ou de mélodie.
Geneviève Ackermann a étudié la composition au Conservatoire de musique de Montréal auprès de Nicolas Gilbert, Jimmie Leblanc et Maxime McKinley. Bruits, sons, vibrations : c’est en écoutant la vie intérieure des sons que s’ouvre pour elle le véritable portail de vivre. Chaque sonorité est comme un être à part entière, qui nous parle d’une vie insaisissable, pourtant toute présence. Travailler avec les sons, c’est prendre soin d’une vie fragile qui s’exprime dans l’invisible. Geneviève est toujours à la recherche de l’inouï, de l’inconnu et du merveilleux, peu l invisible. Geneviève est toujours à la recherche de l inouï, de l inconnu et du merveilleux, peu importe les moyens d’y arriver (écriture, improvisation, avec ou sans moyens technologiques, etc.). Avec le temps, elle s’est intéressée particulièrement à la rencontre d’entre la poésie et la musique, manière de lier dans la création la voie de l’expression et celle du sens.
Mimi est une artiste sonore dont la pratique se situe à la rencontre de la musique expérimentale et de l'art audio. Explorant le continuum entre la mémoire et la spéculation, elle compose avec de la voix, de la synthèse sonore, de la matière audio remodelée ainsi que des objets trouvés. Intéressée par le potentiel de narrativité sensorielle du son, elle se penche en parallèle sur la conception de [petits] systèmes d’informatique musicale favorisant la composition intuitive et l’improvisation. Mimi est actuellement étudiante à la maîtrise en Composition et création sonore à l’Université de Montréal. Son travail a été présenté dans le cadre de festivals, d'expositions ainsi qu'au cinéma.
Gustavo Álvarez is a performance artist and social anthropologist trained at the National School of Anthropology and History, with over twenty years of experience in action art. His practice is distinguished by its exploration of social issues such as violence, ritual, and decolonial practices, positioning the body as the focal point of his research through an approach he calls the archaeology of the Self, where performance functions as a critical and transformative tool.
His work has been presented in countries such as France, Italy, Canada, Colombia, Sweden, Taiwan, Chile, Norway, and Peru, participating in highly prestigious international festivals such as Rencontre internationale d’art performance (Quebec), Infraction (Venice), 7a11d (Toronto), Live Action (Gothenburg), and the Hemispheric Encounter on Performance and Politics (Bogotá), among others.
In Mexico, he has contributed significantly to the development of performance art through his participation in various performance gatherings and festivals, including the First National Performance Art Exhibition, and the organization of performance events such as Performancear o Morir and InSitu. His teaching work at various national and international institutions has strengthened the training of new generations.
Magali Babin est une artiste sonore dont les recherches abordent la perception sonore et la mémoire auditive en relation aux espaces de vie. À travers la rencontre, elle aborde l’écoute comme outil d’attention, de rassemblement et d’ouverture à l’altérité. Entre l’acoustique des paysages naturels, les contextes sociaux et la réminiscence sonore, l’artiste puise ses matériaux et crée des ambiances, des installations ou des expériences d’écoute. Dans ses récents projets, Magali Babin s’intéresse aux espaces publics sonores et à l’écoute collective. L’artiste s’est produite en performance et a présenté ses installations sonores dans le cadre de festivals internationaux au Canada, aux États-Unis, en Europe et au Mexique.
https://magalibabin.com/
Comédienne, auteure et metteure en scène, Nathalie se passionne de la création. De la conception à l'interprétation, elle participe à la réalisation de différents projets destinés aux arts de la scène et aux médias. Elle fonde Voltage en 2009 avec la mission de réaliser des événements spéciaux où les arts vivants sont à l’honneur. Avec la compagnie À voix haute, elle donne chair à des œuvres narratives de la littérature québécoise et internationale. En 2021, elle remporte le prix Rideau dans la catégorie Interprétation de l’année pour son rôle de La fille qui intègre dans J’accuse d’Annick Lefebvre.
Professeur des Universités, il enseigne l’esthétique à l’Université des Antilles. Fondateur et responsable du CEREAP (Centre d’Études et de Recherches en Esthétique et Arts Plastiques). Fondateur et directeur de la revue Recherches en Esthétique. Membre du CRILLASH (Centre de Recherches Interdisciplinaires en Lettres, Langues, Arts et Sciences Humaines, Université des Antilles). Chercheur associé à l’Institut ACTE (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne). Critique d’art, membre de l’AICA-France. Commissaire d’expositions. Il a publié notamment : Art contemporain en Martinique, nouvelle édition, L’Harmattan, 2020 ; L’incertitude de la création. Intention, réalisation, réception, Presses Universitaires des Antilles, 2021 ; L’art change-t-il la vie ?, Presses Universitaires de Provence, 2022 ; Art et pratiques du détournement, (dir.), L’Harmattan, 2023.
Poète, enseignant, chercheur, artiste médiatique, chef d'orchestre, metteur en scène et directeur de théâtre. Son travail transcende les frontières entre la musique, l'art-action, la poésie, la culture et la technologie. Son répertoire, vaste et diversifié, s'étend de la composition orchestrale et de la comprovisation aux installations-concert multimédias, en passant par le théâtre musical, l'opéra, la musique de chambre et la musique assistée par ordinateur. Ses œuvres sont jouées dans le monde entier dans des festivals et des lieux prestigieux par des orchestres et des ensembles musicaux de premier plan.
Sandeep Bhagwati is composer, theatre maker and researcher [studies in Salzburg, Munich & Paris]. His compositions/comprovisations are performed worldwide. He has curated festivals and trans-traditional projects with Asian musicians. As Canada Research Chair for Inter-X Art at Concordia University Montréal since 2006, he founded matralab, a research/creation node for live arts. Since 2013, he leads trans-traditional ensembles in Berlin & Pune. He directs TENOR, an international network for notation technologies and co-edits TURBA - The Journal for Global Practices in Live Arts Curation. His work was the focus of a “Homage Season” 2023/24 initiated by the Quebec New Music Society (SMCQ) matralab.hexagram.ca
Léa Boudreau est une artiste sonore qui travaille avec l'électronique et l'installation. Son travail a été exposé et diffusé un peu partout dans le monde, entre autres au Festival International Musique Actuelle de Victoriaville (FIMAV), au Mixtur Festival de Barcelone, au Festival Akousma de Montréal, au Sonorities Festival de Belfast ainsi qu'au festival MUTEK Montréal. Elle a reçu de nombreux prix et bourses au cours des dernières années : bourse d'étude de maîtrise CRSH en 2022, bourse Dora & Avi Morrow et bourse Concordia Fine Arts en 2021, 2e et 3e prix JTTP de la Communauté électroacoustique canadienne en 2020 et 2019, etc. Elle est actuellement étudiante à la maîtrise en arts plastiques à l'université Concordia.
Ce projet se veut une continuité dans le travail installatif et performatif de Boudreau, intégrant circuit-bending et dispositifs fabriqués sur-mesure, explorant et s'amusant avec les champs électromagnétiques présents autour des objets trouvés et rassemblés pour l'occasion.
Nancy Bussières est une artiste-chercheure travaillant à l’intégration sensible et dynamique de la lumière aux arts de la scène. Son travail actuel se base sur l’éclatement de la chronologie lumineuse au profit d’une approche basée sur l’expérience et la perception. Elle œuvre activement dans des contextes croisant le théâtre, la danse, l’opéra, la performance, les arts médiatiques et l’installation. Son travail est continuellement diffusé aussi bien sur la scène canadienne qu’internationale. Elle fait partie de la compagnie de théâtre l’eau du bain.
Associée à Hexagram, au Matralab (inter-x art), au Center for Sensory Studies de l’Université Concordia. Elle est co-fondatrice du Labo lumière [créations + recherches interdisciplinaires] à l’UQAM.
Mezzo-soprano Interprète de premier plan, la chanteuse Marie-Annick Béliveau se fait entendre sur les scènes montréalaises depuis plus de 25 ans. Elle a créé plus d’une trentaine d’opéras et d’œuvres vocales de compositeurs canadiens et européens. Depuis juin 2022, elle est la directrice artistique de la compagnie lyrique de création Chants Libres, fondée il y a 30 ans par Pauline Vaillancourt. D’autres formes de collaborations lui permettent aussi de tisser des liens avec des artistes et compositeurs renommés, tout en développant son goût pour la conception et la direction artistique. Artiste ancrée dans sa communauté, elle enseigne le chant classique à l’UQAM et chante depuis plus de 12 ans pour la Société pour les Arts en Milieux de Santé. On retrouve en outre sa voix sur plusieurs enregistrements, dont les musiques du Cirque du Soleil et dans plusieurs films (Violon Rouge, Paul à Québec). Sa passion pour l’exploration lyrique résonne également dans le monde académique : doctorante dans le programme Études et pratiques des arts à l’UQAM, Marie-Annick Béliveau réalise un projet de recherche-création dans lequel elle questionne les modes de conception et de production de l’art lyrique et la posture de l’interprète-créateur-médiateur.
Sophie Cabot est artiste interdisciplinaire, médiatrice culturelle et doctorante en Études et pratique des arts à l’Université du Québec à Montréal. Elle s’intéresse à l’art in situ et in socius comme lieu réflexif; en particulier à la marche comme forme artistique et propice aux rencontres imprévues avec les êtres vivants. Les récits, l’écologie sonore de même que les mouvements, le dessin, la photographie façonnent les œuvres qu’elle propose. Ses créations ont été présentées à Montréal (2022-2023), Carleton-Sur-Mer (2022), New York (2018), Grèce (2019, 2021, 2023), Portugal (2020), Espagne (2022).
Technicienne en travaux pratiques au département de danse de l'UQAM, Éliane Marie-Laure collabore à l'élaboration des spectacles chorégraphiques et des projets de recherche du Laboratoire Arts Vivants et Interdisciplinarité (LAVI). Formée en électronique audiovisuelle, en technologies des arts de la scène et en musique électroacoustique, elle étudie à la maîtrise en communication (média expérimental). Son travail artistique explore avec sensibilité la temporalité et la spatialité. Ses créations sont instinctives et inspirées par la conception de collages sonores et visuels.
Férue d’expérimentations, Stephanie Castonguay interroge les circuits électroniques comme processus tangible et sensible ancrée dans la matérialité. Ielle démonte et réutilise de petites machines obsolètes, à peine audibles, pour révéler leurs résonances, glitchs et les imprévisibles délices sonores qui s’y cachent. Évoquant l’espace liminal entre les domaines de l’imperceptible et de la physicalité, ses performances incarnent une approche ritualistique, éthérée et sombrement contemplative. Son travail est présenté dans de nombreux évènements, tels que LAB30, Instruments Make Play, STEIM, MUTEK, Tsonami Sound Art Festival, Athens Digital Arts Festival, Musica Ex Machina Festival, Sight & Sound, Klangmanifeste et plus récemment au Instrument Inventors Initiative.
Aisen Caro Chacin est une composition régénératrice de cellules qui produisent une femme, une Vénézuélienne, une Espagnole, un Américaine et un animal dont les schémas de migration ne sont pas fondés sur les différentes saisons, mais plutôt sur le hasard, le chaos et les occasions.
Artiste intermedia, elle dirige le laboratoire de prototypage médical de l'University of Texas Medical Branch et est professeure adjointe de pathologie à la faculté de médecine. Elle est aussi professeure adjointe à l'école d'art de l'université de Houston, où elle a également obtenu son baccalauréat en beaux-arts. Elle est membre fondatrice du Medicine and Arts Program à l'UCLA et est titulaire d'un MFA en design et technologie de la Parsons the New School.
Les recherches et la pratique de Mme Chacin se concentrent sur la perception sensorielle, la relation et l'intégration homme-machine, ainsi que sur les implications techniques et philosophiques de l'incarnation et de l'incorporation par le biais de corps et de réalités artificielles à une époque marquée par un développement de la connaissance. Son travail se situe à l'intersection des œuvres d'art des nouveaux médias, des interfaces homme-machine, des dispositifs médicaux et de l'art des dispositifs d'assistance (ADA), englobant l'art sonore, les interfaces de substitution sensorielle, la réanimation, l'écholocalisation humaine, l'haptique, l'automatisation médicale, la simulation chirurgicale et la mode.
Aisen Caro Chacin is a regenerating composition of cells that produce a woman, a Venezuelan, a Spaniard, a U.S. American, and an animal whose patterns of migration are not based on seasons, but rather chance, chaos, and opportunity. She is an artist and leads the medical prototyping lab at the University of Texas Medical Branch and is an Assistant Professor in Pathology at the School of Medicine. She is Adjunct Faculty at the School of Art at the University of Houston, where she also received her BFA. Dr. Chacin's research and practice focus on sensory perception, the human-machine relationship and integration, and the technical and philosophical implications of embodiment and incorporation through artificial bodies and realities in a time of conscious evolution. Her work is an intersection of new media artworks, human-computer interfaces, medical devices, and Assistive Device Art (ADA), encompassing sound art, interfaces for sensory substitution, resuscitation, human echolocation, haptics, medical automation, surgical simulation, and fashion.
Artiste interdisciplinaire, Yvel Champagne réalise et chante, sous le nom de Cham-Pang, des albums considérés comme des classiques de la musique expérimentale et alternative au Québec et dans le monde (Ne mourrez pas, Disques YUL, 1981 et Tant pis 81-21, Disques Tanzier, 2017). Elle présente des performances à Montréal, New York, Milan, Osaka, joue dans des fi lms, et collabore depuis 1970 à de nombreux projets multimédias et de musique électroacoustique.
Dorah S Claude est un·e artiste-chercheur·euse, doctorante à l’UQAM dans le département d’études et pratiques des arts. Ses recherches portent sur relations entre les entités humain·es et non humain·es dans les métavers. À partir du médium de la réalité virtuelle, iel crée des expériences immersives, des performances et des installations vidéo.
Après un baccalauréat en études théâtrales à l’UQAM, Gabrielle Couillard a exploré l’univers du spectacle vivant autant au son qu’à la production, particulièrement intéressée par la conception d’espaces sonores évocateurs de lieux et de sentiments marquants. Effectuant présentement une maîtrise recherche-création en média expérimental, elle entremêle différentes expériences de création et techniques audio, dont la poésie, le field recording et les transformations sonores en chaîne, pour créer de petits univers sonores abstraits. Elle s’intéresse tout particulièrement aux questions touchant la spatialisation sonore et l’immersivité, autant d’un point de vue technique que créatif. Elle explore la relation entre le corps et l’espace à travers le son à partir de sa propre expérience du corps en situation de handicap (Dispositif Espace-Corps, UQAM, 2022-2023). Depuis 2019, elle mêle à sa pratique l’improvisation sonore par télématique, avec entre autres des collaborateurs de Colombie (Festival international de la imagen, 2020 et 2021), de Toronto (série Exit Points, produit par Michael Palumbo) et de Montréal (dont la série Live drone avec Kasey Pocius, webdiffusions hebdomadaires ayant duré un an au cœur de la pandémie).
Chargé de cours à l’UQAM, Denis est batteur de profession et collaborateur musical pour plusieurs grands noms de l’industrie. Spécialisé dans l’accompagnement et la direction musicale, il étudie au doctorat en études et pratiques des arts où il s’intéresse aux liens entre la dynamique corporelle et l’expression musicale par l’observation et l’analyse du mouvement (OAM).
Lx chanteur·euse et compositeur·ice Soledad Coyoli a grandi entre les peintures surréalistes de Leonora Carrington et Remedios Varo, les sculptures de sa grand-mère, la Malinche, la llorona, les pièces détachées des robots de son oncle et la musique sacrée que son père écoutait. Son travail sonore s’inspire de la tradition de la chanson mexicaine, et s’intéresse à la rencontre entre différentes voix / langues / cultures / technologies, ainsi qu'aux racines identitaires náhuatl (son nom signifie "clochette" en náhuatl). Sa musique, lauréate de l'UNESCO-ASCHBERG en 2014, a été présentée dans certains des centres culturels les plus importants du Mexique, tels que le MUAC (Musée Universitaire d'art Contemporain), le musée Franz Mayer et le Centre de Culture numérique à la ville de Mexique. Depuis son arrivée à Tiohtiá:ke/Mooniyang/Montréal, son travail a trouvé une nouvelle orientation : la voix et le corps comme territoires uniques, propres et non répétables, mais aussi comme matières fluides, mystérieuses, mutantes et collaboratives.
Soledad explore des territoires musicaux et corporels métisses, à la recherche d'une racine - d'une identité – d’un nepantla, un mot náhuatl qui signifie "la terre au milieu" qu’iel peut appeler "sa maison ». Singer and composer Soledad Coyoli grew up surrounded by the surrealist paintings of Leonora Carrington and Remedios Varo, her grandmother’s sculptures, the figures of La Malinche and La Llorona, the spare parts of her uncle’s robots, and the sacred music her father listened to. Her sound work draws inspiration from the tradition of Mexican song and explores encounters between different voices, languages, cultures, and technologies, as well as Náhuatl identity roots (her name means “little bell” in Náhuatl). Her music, recipient of the UNESCO-Aschberg award in 2014, has been presented in some of Mexico’s most important cultural institutions, such as the MUAC (University Museum of Contemporary Art), the Franz Mayer Museum, and the Digital Culture Center in Mexico City. Since arriving in Tiohtiá:ke/Mooniyang/Montreal, her work has taken a new direction: the voice and the body as unique, singular, and unrepeatable territories, but also as fluid, mysterious, mutable, and collaborative materials. Soledad explores hybrid musical and bodily territories in search of a root—an identity—a *nepantla*, a Náhuatl word meaning “the land in between,” which she can call “home.”
Tommy Davis, Kasey Pocius et Vincent Cusson sont des artistes et des chercheurs de Montréal. Leurs projets portent sur l'improvisation de programmes informatiques et d'agentivité numérique, la conception et l'augmentation d'instruments, et l'interaction homme-machine.
Tommy Davis, Kasey Pocius, and Vincent Cusson are Montreal-based artists and researchers. Their projects focus on improvising computer programs and computer agency, instrument design and augmentation, and human-computer interaction.
Mario Côté, artiste peintre, réalisateur de documents sur l’art et de vidéo expérimentale. Il est initiateur de plusieurs projets multidisciplinaires et auteur de plusieurs textes sur l’art. Initiateur de plusieurs collaborations dans le domaine de la vidéo expérimentale, il interroge la notion de « corps danseur » en collaboration avec plusieurs chorégraphes et celle de « corps lecteur » avec des écrivains, acteurs, compositeurs et cinéastes. Il a dirigé les groupes de recherche ARC_DANSE, archives et recréations d’œuvres chorégraphiques des pionnières de la danse moderne, Françoise Sullivan et Jeanne Renaud. Puis ARC_PHONO, archives d’ambiances sonores de lieux intérieurs en voie de disparition. Il est membre du groupe de recherche PRÉ-FIXE (Quatuor Bozzini, Philippe-Aubert Gauthier (UQAM) et Frédéric Dallaire (UdeM). Il a organisé trois colloques internationaux : L’Humain qui vient / L’Humanité qui ouvre, en collaboration avec Le Studio d’art contemporain, Le Fresnoy, France (2020) ; GDRI: Ambiances en traduction [France, Italie, Danemark, Grèce, Brésil] ; lectures, mesures et notations interdisciplinaires des ambiances (2015) ; ARC-PHONO : Archives sonores et voix radio [colloque radio en direct], Écouter un mouvement du voir [exposition] et L’Oreille au sol [concert](2012).
Claire Dehove est une artiste diplomate, directrice de WOS/agence des hypothèses, ambassadrice de la MétaNation et ambassadrice des Communs. WOS a été créée en 2004 à Paris et a généré des “dispositifs contributifs“ tels que Hall de Gratuité à Bobigny, Libre Ambulantage à Dakar, les Anarchives de la Révolte ou encore les Anarchives de la Migration. WOS expérimente des institutions artistiques et politiques dont le Ministère des Affaires et Patentes, Humaines, Animales, Végétales et Élémentaires (MAPHAVE) à Montréal avec Eric-Létourneau en 2015, l’Ambassade des Communs à Bordeaux en 2016 et l’Ambassade de la MétaNation avec Quebracho Théâtre en 2018 au Centre Pompidou à Paris et qui a poursuivi ses itinérances jusqu’à Beyrouth en 2023. Claire Dehove est agrégée d’arts plastiques, Docteure en Esthétique et Sciences de l’art, intervenante à l’Université du Bien Commun de Paris et chercheuse au PAS (Praxis Art Sororité lab).
Dimitri Delphin est un artiste numérique qui explore des questionnements universels à travers des expériences singulières. Sa pratique artistique est nourrie par son vécu et son expertise en création multimédia. Diplômé en montage et effet visuel en France puis spécialisé en médias interactifs à Montréal, il a travaillé comme chargé de projet multimédia dans différentes compagnies créatives. Il décide d'entamer la maîtrise en communication profil recherche-création en média expérimental de l’UQAM à l'automne 2021 afin de continuer à développer son processus de création. Dimitri crée des œuvres qui touchent aux récits et témoignages, à travers le contenu acquis sous différents médias, pour susciter de nouvelles réflexions sur nos histoires communes. Il partage son temps entre sa recherche, et des mandats de conception et production en art numérique en tant que consultant.
Né à Montréal en 1967, Martin Dufrasne est artiste, auteur, commissaire et gestionnaire culturel. Depuis le milieu des années 1990, il développe une pratique interdisciplinaire située au croisement de la sculpture, de l’installation, de la photographie, de la vidéo, de la performance et de l’art action. Ses projets explorent les relations entre gestes artistiques, contextes sociaux et dispositifs de présentation, en interrogeant les notions de valeur, de transformation, d’engagement et d’attachement.
Formé dans le contexte des pratiques collectives, il participe à l’atelier L’Oreille coupée — à l’origine du centre d’artistes LE LOBE — et cofonde en 1997 les ateliers d’artistes TouTTouT à Chicoutimi. Depuis 1998, il développe également une pratique collaborative avec l’artiste Carl Bouchard et a réalisé divers projets avec des artistes issus de champs disciplinaires variés.
Parallèlement à sa pratique artistique, il conçoit des projets de commissariat, d’édition et de réflexion critique sur les pratiques contemporaines. Depuis 2010, il assure la direction de la programmation artistique du centre d’artistes montréalais DARE-DARE, où il développe des initiatives de diffusion, de recherche et d’échanges internationaux en art performance et en art actuel.
Artiste sonore montréalaise, Chantal Dumas explore le médium du son depuis plus de 30 ans. Son travail donne forme à une oeuvre personnelle, intimiste, et originale qui s'incarne sous forme de narration, de paysage sonore, de composition, de parcours d'écoute et d’installation. Les années ont mis en lumière une récurrence thématique (espace, temps, territoire) soulignant ainsi une conscience environnementale qui se conjugue à un intérêt marqué pour l’écoute. En 2011, Dumas obtint le Studio du Québec à New York (CALQ) et en 2016 le Studio des Récollets à Paris (CALQ). Au fil du temps, elle occupa de nombreuses résidences d’artistes (dont Banff, Sporobole, Oboro, Avatar, Ad Mare, New Adventure In Sound Art, ). Elle a reçu les prix Opus-Concert en musique électroacoustique (2009, Qc) et les prix Bohemia (République tchèque) et Phonurgia Nova (Fr) en radio. Son album Oscillations planétaires qui évoque le monde géologique fut finaliste au Prix Opus 2019-20: Album de l’année. Son travail a été largement diffusé sur les radios publiques européennes et lors de festivals ici et à l’étranger. À l’automne 2023, elle a co-organisa avec Frédéric Dallaire le colloque Le Partage des écoutes associé à la Faculté des arts et des sciences - Département d'histoire de l'art et d'études cinématographiques de l’Université de Montréal. Elle est régulièrement invitée à participer à des projets en médiation culturelle dans différents contextes (MeM, RAAM, Les Incomplètes, Espace Projet) où elle invite le public à partir à la découverte de territoires sonores. Dans cet esprit, elle a réalisé en collaboration avec Magali Babin le parcours d’écoute Villeray acoustique. (https://mtlacoustique.com) En tant que conceptrice sonore, elle participe aussi à de nombreux projets. Ce qui l’a amené à travailler avec des auteurs tels Simon Dumas et Nicole Brassard pour le spectacle multidisciplinaire Le désert mauve, une adaptation libre du roman de Nicole Brossard. Amélie Prévost, Sylvain Campeau, Fortner Anderson, Réjane Bougé, Geneviève Letarte, Chantal Neveu sont aussi du nombre. Il y a aussi Roxham, projet sur la migration du photographe Michel Huneault, produit par l'ONF Interactive Web et aussi Caroline Martel, Florian Grond.
Montreal-based sound artist Chantal Dumas has been exploring the medium of sound for over 30 years. Her work takes shape as a personal, intimate, and original body of work expressed through narration, soundscape, composition, listening journeys, and installations. Over the years, recurring themes (space, time, territory) have emerged, highlighting an environmental awareness combined with a strong interest in listening. In 2011, Dumas was awarded the Studio du Québec in New York (CALQ), and in 2016 the Studio des Récollets in Paris (CALQ). Over time, she has held numerous artist residencies (including Banff, Sporobole, Oboro, Avatar, Ad Mare, New Adventure in Sound Art). She received the Opus Awards in electroacoustic music (2009, Quebec), as well as the Bohemia (Czech Republic) and Phonurgia Nova (France) awards in radio. Her album Oscillations planétaires, which evokes the geological world, was a finalist for the Opus Prize 2019–20: Album of the Year. Her work has been widely broadcast on European public radio and presented at festivals locally and internationally. In the fall of 2023, she co-organized, with Frédéric Dallaire, the symposium Le Partage des écoutes, associated with the Faculty of Arts and Sciences – Department of Art History and Film Studies at the Université de Montréal. She is regularly invited to take part in cultural mediation projects in various contexts (MeM, RAAM, Les Incomplètes, Espace Projet), where she invites the public to explore sonic territories. In this spirit, she collaborated with Magali Babin on the listening path Villeray acoustique (https://mtlacoustique.com). As a sound designer, she also contributes to numerous projects. This has led her to work with writers such as Simon Dumas and Nicole Brossard on the multidisciplinary performance Le désert mauve, a free adaptation of Brossard’s novel. She has also collaborated with Amélie Prévost, Sylvain Campeau, Fortner Anderson, Réjane Bougé, Geneviève Letarte, and Chantal Neveu, as well as on Roxham, a migration-focused project by photographer Michel Huneault, produced by the NFB Interactive, and with Caroline Martel and Florian Grond.
Projet collaboratif éclectique de la harpiste Coralie Gauthier et de la pianiste Vivian Li, echönymphia s’inspire des sonorités naturelles afin de peindre des paysages sonores composés de textures scintillantes, de couleurs vivantes et de mélodies oniriques, fusionnant harpe électronique et synthétiseur modifiés à l’aide d’une panoplie de pédales d’effets. S’éloignant des conventions musicales traditionnelles, leurs compositions éthérées et éphémères évoluent de manière intuitive, immergeant l’audience dans un univers organique où le concept même de temporalité est déconstruit.
Coralie Gauthier reçoit une formation classique au Conservatoire de Musique de Montréal et un baccalauréat en Musique de l’Université Concordia, étudiant la harpe électroacoustique aux côtés de Sarah Pagé. Sa curiosité la pousse à explorer une pratique hétérodoxe intégrant les pédales d’effets et le traitement sonore en direct. Elle pratique la harpe jazz au Brésil auprès d’artistes de renom tels que Park Stickney et Deborah Henson-Conant, et collabore à plusieurs projets de danse contemporaine (Festival Quartiers Danse, Centre Phi, Musée d’art contemporain). Performant localement et à l’international au sein de divers ensembles depuis plus de dix ans, elle déploie désormais ses efforts sur la scène électronique expérimentale montréalaise. Son premier album solo pour harpe et instruments électroniques paraitra cette année.
Originaire de Chine et basée à Montréal, la pianiste de formation classique Vivian Li étudie la musique jazz et la composition au CEGEP, et poursuit actuellement des études en électroacoustique à l’Université de Montréal. Malgré une formation rigide, sa pratique dépasse le domaine musical traditionnel, qu’il s’agisse d’installations sonores et visuelles ou de production radiophonique, en passant par la performance live. Fascinée par l’inconnu et l’inexploré, elle diversifie son art à l’aide de créations spontanées et expérimentales; à ce titre, son premier EP cherche à montrer le côté musical de nos environnements quotidiens.
Professor of electronic arts at Concordia University, Canada. Director of the international symposia Balance-Unbalance (BunB) on art-science and the environmental crisis; and Understanding Visual Music (UVM). Dal Farra has been coordinator of the Multimedia Communication Area of the Ministry of Education, Argentina; researcher at the Music, Technology and Innovation Research Centre of De Montfort University, UK; coordinator of the international alliance DOCAM - Documentation and Conservation of the Media Arts Heritage; senior consultant of the Amauta New Media Art Centre of Cusco, Peru; director of the Hexagram Centre for Research-Creation in Media Arts and Technologies, Canada; and researcher of UNESCO, France, for its project Digi-Arts. Creator of the Latin American Electroacoustic Music Collection hosted by the Langlois Foundation. Member of the editorial board of Leonardo (MIT Press) and Organised Sound (Cambridge Press), and the board of directors of ISEA (International Symposium on Electronic Arts). Ph.D. in Arts, he is a composer and transdisciplinary artist.Sound transduction that transforms the expected into the unexpected when the system changes the very essence of the human.
Archiviste depuis plus de 30 ans en art performance et poésie sonore, commissaire d’expositions, conférencière, et directrice artistique du Festival Polysonneries basée à Lyon. Depuis février 2003, Sylvie tient une tribune permanente sur la performance dans le Bloc Notes mensuel édité par la MAPRA, et couvre de nombreux festivals à l’étranger. Elle collabore à la réalisation du catalogue du Festival d’Avignon 2005 et à la revue belge « Alternatives Théâtrales » et écrit plusieurs préfaces ou monographies pour des livres d’artistes : Jan Fabre(B), Kirsten Justesen(D), Roi Vaara (F), Lamberto Pignotti… Une série de conférences intitulée : "La Performance : un constat d'intérêt public" ouvre un dialogue permanent avec la communauté artistique internationale et des étudiants venus de divers horizons. Elle permet de diffuser l'information auprès d'un public plus large. Les recherches de Sylvie s’intéressent aux liens qui peuvent s’établir entre la poésie et toutes les autres formes artistiques : plastiques, performatives et technologiques. Depuis Juin 2024, elle anime une émission sur Radio Bellevue à Lyon sur l’Art Performance et la Poésie Sonore. Simultanément, un film résumant son parcours dans le milieu performatif international a été tourné par François Massud, directeur de la revue Doc(k)s et est visible sur le web sur « Poésie is not dead ». Sylvie vient de donner une partie de ses archives personnelles de poésie sonore qui sera bientôt disponible au sein au sein du laboratoire Musiques cachées du GRMS à l’UQAM.
Philippe-Aubert Gauthier est professeur à l'UQÀM (Montréal, Canada), École des arts visuels et médiatiques, ingénieur mécanique, maître ès sciences et docteur en génie mécanique (acoustique). Il travaille au croisement de l'art, de la science et de la technologie. Ses œuvres prennent des formes allant de l'installation, des arts sonores et numériques à la performance et à la musique. Ses œuvres ont été présentées au Québec, au Canada, aux États-Unis, au Mexique, en France, en Angleterre, en Autriche, en Belgique, en Allemagne et au Japon. Il est directeur associé de la recherche artistique au Centre interdisciplinaire de recherche en musique, médias et technologie (CIRMMT) de l'Université McGill.
L'artiste et compositrice canadienne Erin Gee (TIO’TIA:KE – MONTRÉAL) considère la musique comme une technologie poétique et sensorielle, comparant la vibration des plis vocaux à l'électricité et aux données circulant à travers les systèmes, ou aux vibrations à travers la matière. Gee est professeure adjointe à la faculté de musique de l’Université de Montréal et experte en technologie de biofeedback affectif. Grâce à des techniques de performance telles que l'ASMR, les battements binauraux, les fréquences pures et l'effet placebo, elle utilise le biofeedback pour traiter l’émotion elle-même comme un matériel artistique en performance. Elle intègre régulièrement des technologies telles que les réseaux neuronaux, les dispositifs de biofeedback, la réalité virtuelle, la performance musicale en réseau et la robotique dans son travail, plaçant l'émotion et la technologie sur le même plan logique. Son travail a été présenté dans des lieux tels que la MacKenzie Art Gallery (CA), Vancouver New Music (CA), Music Gallery (CA), Karachi Biennale (PK), Toronto Biennale (CA), Ars Electronica (AT), MUTEK Festival (AR/ES/CA), LEV Festival (ES) et NRW Forum (DE).
Martin Howse se consacre à l'investigation des liens entre la terre (phénomènes géophysiques), le logiciel et la psyché humaine (psychogéophysique) à travers la construction de situations expérimentales (performances, laboratoires, marches et ateliers), d'œuvres matérielles et de textes. Il est le fondateur de la communauté Tiny Mining. De 1998 à 2005, Howse a été directeur de ap, un groupe de performance logicielle travaillant avec des déchets électroniques, pionnier d'une approche précoce du glitch numérique. De 2007 à 2009, il a animé une série régulière d'ateliers, de micro-résidences et de salons à Berlin. Howse a travaillé et collaboré sur des projets et pratiques reconnus tels que The Crystal World, Psychogeophysics, Earthboot, Sketches towards an Earth Computer et Dissolutions. Depuis quinze ans, il a initié de nombreux projets sous forme de laboratoires ouverts et a réalisé des performances, publié, donné des conférences et exposé à l’échelle internationale. Il est également le créateur du module de divination sonore basé sur la peau, The Dark Interpreter, ainsi que de la série de synthétiseurs modulaires ERD.
Hraïr Hratchian poursuit, depuis 1995, un travail où s’entrecroisent musique, art performance et film expérimental. Membre fondateur du groupe de rock montréalais De la Caucase (1998-2008), il a occupé les rôles de chanteur et de doudoukiste et avec lequel il a produit l'album La mort cruelle de Marcel Léart. Il a également fondé le groupe La Désunion (2010-2013), caractérisé par ses improvisations sonores. Invité en tant que doudoukiste par le groupe allemand Einstürzende Neubauten, il a collaboré sur la pièce Armenia lors de concerts en 2004, 2005 et 2011. Il a aussi pris part à divers projets et tournées avec Sam Shalabi, le groupe canadien Esmerine et Jerusalem In My Heart. Depuis 2014, il se produit sur scène et réalise des films expérimentaux au Canada, aux États-Unis et à l’étranger.
Nina Isabelle est une artiste multidisciplinaire qui explore l'incarnation, la cognition et le processus créatif. Son travail examine comment la perception sensorielle influence l'action, la prise de décision et la création de sens. En fusionnant les disciplines, elle étudie comment les données sensorielles façonnent notre compréhension du monde. Elle est actuellement doctorante en Arts Électroniques à l'Institut Polytechnique Rensselaer. Les projets d'Isabelle utilisent l'action, le geste et la performance pour découvrir de nouvelles perspectives à travers l'improvisation et l'impulsion créative. Elle emploie la photographie, la vidéo et l'enregistrement audio pour examiner les incohérences sensorielles et les schismes de la mémoire, utilisant la documentation pour explorer la perception, le temps et la dynamique soi-autre. Son travail a été présenté au San Diego Art Institute, au Queens Museum, à la Elizabeth Foundation for the Arts, et internationalement en Espagne, en Corée du Sud et en Thaïlande. En 2018, elle a fondé le Three Phase Center à Stone Ridge, NY, un espace dédié aux artistes conceptuels et performatifs axés sur le processus. Elle produit également Documenting Process, une série vidéo sur la valeur de la pratique artistique.
Anne-F Jacques est une artiste sonore travaillant à Montréal. Elle s'intéresse à l'amplification, aux interactions obliques entre matériaux et à la construction de divers systèmes et assemblages idiosyncratiques. Son (in)attention se concentre plus particulièrement sur les technologies légères, les objets banals et les sons rugueux. Elle réalise régulièrement des installations sonores, des performances et des interventions éphémères dans des endroits improbables ainsi que des ateliers sur le détournement d’électronique domestique. Elle a notamment collaboré avec le festival Tsonami (Chili), Experimental Intermedia (New York), Ftarri (Tokyo), CTM (Berlin), Umbral (Mexique), Centrale for Contemporary Arts (Bruxelles), High Zero (Baltimore) et MEM (Bilbao).
Depuis le début des années 80, Jérôme Joy co-élabore sans cesse. Artiste compositeur, improvisateur, interprète et auteur, son travail se voue radicalement à toutes les formes de la musique (performances, concerts, récits, partitions, vidéos, etc. ; instrumentale, électronique et expérimentale) en explorant les 90% des registres de fabrication, de sensation, d’émotion et de perception du son et de la musique qui ne nous sont pas encore habituels. Artiste-professeur, il enseigne à l’Ensa École nationale supérieure d’art de Bourges (France). Après un parcours musique post-punk, indus, performance, électro-acoustique, live-electronics, net-music, radio-music, noise, harsh noise, expé, il a suivi un cursus Ph.D. à l’Université Laval, a co-dirigé avec Peter Sinclair le laboratoire Locus Sonus, a été visiting artist à SAIC Chicago. Parmi d’autres choses : membre du projet artiviste The Thing (NYC), du trio harsh noise pizMO, du quatuor de musique expérimentale QWAT ? et de l’ensemble Noii. Il a accompagné, échangé, joué et collaboré avec de nombreux.ses artistes (entre autres : Robert Barry, Pauline Oliveros, Christian Wolff, Claudia Hart, Rhys Chatham, Kaffe Matthews, Gregory Whitehead, Magali Babin, Jean Dupuy, Keith Rowe, The Residents, Jocelyn Robert, Caroline Bouissou, Émilie Aussel, Elena Biserna, etc.). Plusieurs ouvrages en cours de publication : L’ Élektrorama (partition-texte et texte-partition), Le Ouesterne Spinoza, La Pébipologie, Audito, etc. Il vient de commettre un article intitulé Hyperpop & Black Metal.
D'origine viennoise, Volkmar Klien a passé son enfance plongé dans la vie musicale de la ville. S’appuyant sur cet héritage, il s’efforce aujourd’hui d’élargir les pratiques traditionnelles de composition, de production et d’écoute bien au-delà du cadre établi de la musique de concert. Il travaille dans divers domaines des arts audibles — et parfois inaudibles —, explorant les multiples liens entre les différents modes de perception humaine, les sphères de la représentation et les rôles que celles-ci jouent dans la production collective de sens./ Growing up in Vienna Volkmar Klien spent his childhood engulfed in the city’s rich musical life with all its glorious traditions and engrained rituals. Working from this background Volkmar Klien today strives to extend traditional practices of composing, producing and listening far beyond the established settings of concert music. He works in various areas of the audible and occasionally inaudible arts navigating the manifold links in-between the different modes of human perception, the spheres of presentation and the roles these play in the communal generation of meaning.
Michelle Lacombe lives and works in Tiohtià:ke / Montréal (Québec, Canada). Since graduating from Concordia University in 2006, she has developed a unique body of work that is located at the intersection of performance, drawing, and body art. Parallel to her artistic practice, she is committed to supporting artist-run centre culture and other collective organising strategies. Over the past 20 years, she has written articles, participated in panels, led workshops, and hosted a community radio column.
Professionally, she has worked with numerous not-for-profit galleries in Québec, such as articule, Le Lieu, and La Centrale Galerie Powerhouse. She has co-organised a number of independent performance art events, including Legs (2015-2023), Pour une temps limité (2019) and On Aura (2021). As a cultural worker, her interests lie in “undisciplined” and “difficult” live art practices. She served on a consultation committee for the Conseil des Arts et des Lettres du Québec (2021–2023), and regularly participates in juries. Since 2011, she has been the Director of VIVA! Art Action, an international action art festival.
François-Joseph Lapointe est biologiste et bioartiste, professeur au Département de sciences biologiques de l’Université de Montréal où il dirige le Laboratoire d’écologie moléculaire et d’évolution. Dans le cadre de ses recherches scientifiques, il s’intéresse à la phylogénétique, à la systématique, à la métagénomique ainsi qu’à la génétique des populations. Auteur d’une centaine de publications, il a également développé plusieurs tests statistiques et algorithmes en bioinformatique.
En 2012, il obtient un doctorat en études et pratiques des arts à l’Université du Québec à Montréal sous la supervision de Martine Époque. Dans le cadre de sa thèse intitulée « la choréogénétique, ou l’art de faire danser l’ADN » il a produit un algorithme pour générer des chorégraphies à partir de séquences génétiques. Pour sa pratique artistique, il s’inspire des modèles de la biologie moléculaire et de la génomique. Son plus récent projet en bioart consiste à séquencer son microbiome afin de générer des égoportraits métagénomiques.Son travail artistique a notamment été présenté au Musée de la civilisation (Québec), Transmediale (Berlin), SciArt Center (New York), Ars Electronica (Linz), Medical Museion (Copenhague), Science Gallery (Londres) et au Centre Pompidou (Paris).
Suzanne Leblanc vit et travaille à Québec. Elle est professeure associée à l’École d’art de l’Université Laval. Elle détient un doctorat en philosophie et un doctorat en arts visuels. Elle a exposé des œuvres d’art médiatique au Québec et elle a contribué à des ouvrages collectifs dans le domaine de l’art au Canada et en Europe.
Anciennement responsable du département d’ethnomusicologie au Musée du Quai Branly (Paris), maintenant conservatrice en chef du secteur musique du Musée d’ethnographie de Genève (MEG), Madeleine Leclair est responsable de l’une des importantes collections d’enregistrements ethnomusicologiques d’Europe. Dans le cadre du projet de recherche Musiques cachées : écouter la diversité sonore, elle proposera un atelier-conférence en deux parties au cours duquel nous partagerons d’abord l’écoute d’enregistrements comportant des amalgames sonores particulièrement inhabituels aux façons occidentales de concevoir la musique et l’art audio.
Katherine Liberovskaya est une artiste intermedia canadienne basée à New York. Impliquée dans la vidéo expérimentale depuis les années 1980, elle a produit de nombreuses œuvres vidéo monocanal, des installations vidéo, des performances vidéo ainsi que des créations dans d’autres médias, présentées dans le monde entier. Depuis 2001, son travail se concentre principalement sur l’intersection entre l’image en mouvement et le son/la musique, sous diverses formes éphémères ou fixes (projections, installations, performances). Elle collabore notamment avec de nombreux compositeurs et artistes sonores dans des concerts improvisés mêlant vidéo et son, où ses visuels en direct cherchent à créer une sorte de « musique » pour les yeux. Pendant plus de 22 ans, elle a collaboré sur de nombreux projets avec son partenaire, le compositeur et artiste intermedia Phill Niblock, autour de performances live, de vidéos et d’installations. Parmi ses autres collaborateurs réguliers, on compte : Keiko Uenishi, Laura Ortman, Shelley Hirsch, Katie Porter, Dafna Naphtali, Barbara Held, Mia Zabelka, Al Margolis (IF, BWANA), David Watson, entre beaucoup d’autres. En plus de sa pratique artistique, elle est également curatrice d’événements dédiés à la vidéo/film expérimental, à la musique/son et à la performance audiovisuelle. Depuis 2005, elle organise chaque année les soirées Screen Compositions à Experimental Intermedia (EI) à New York et, depuis 2006, les salons OptoSonic Tea, d’abord à New York, puis dans divers lieux nomades en Amérique du Nord et en Europe, ainsi qu’en ligne durant la pandémie de Covid. En 2014, elle a soutenu un doctorat en pratique artistique intitulé Improvisatory Live Visuals: Playing Images Like a Musical Instrument à l’Université du Québec à Montréal (UQAM). Elle est actuellement directrice artistique d’Experimental Intermedia NYC.
Katherine Liberovskaya is a Canadian intermedia artist based in New York. Involved in experimental video since the 1980s, she has produced numerous single-channel video works, video installations, video performances, and creations in other media, presented worldwide. Since 2001, her work has focused primarily on the intersection of moving image and sound/music, in various ephemeral or fixed forms (projections, installations, performances). She collaborates with numerous composers and sound artists in improvised concerts combining video and sound, where her live visuals aim to create a kind of “music” for the eyes. For over 22 years, she has collaborated on numerous projects with her partner, composer and intermedia artist Phill Niblock, around live performances, videos, and installations. Other regular collaborators include Keiko Uenishi, Laura Ortman, Shelley Hirsch, Katie Porter, Dafna Naphtali, Barbara Held, Mia Zabelka, Al Margolis (IF, BWANA), David Watson, among many others. In addition to her artistic practice, she is also a curator of events dedicated to experimental video/film, music/sound, and audiovisual performance. Since 2005, she has organized the annual Screen Compositions evenings at Experimental Intermedia (EI) in New York, and since 2006, the OptoSonic Tea salons—initially in New York, then in various nomadic venues across North America and Europe, as well as online during the Covid pandemic. In 2014, she completed a practice-based doctorate entitled Improvisatory Live Visuals: Playing Images Like a Musical Instrument at the Université du Québec à Montréal (UQAM). She is currently the Artistic Director of Experimental Intermedia NYC.
André Éric Létourneau est artiste interdisciplinaire, en art action et créateur radiophonique, en plus de poursuivre une démarche en arts technologiques. Depuis les années 1990, son travail est présenté à travers le monde, notamment aux Biennale d'Afrique de l'est (Burundi), Biennale de Paris, Kunsthalle à Bâle (Suisse), Festival Longueur d’Ondes (Brest), Festival Experimenta_Sur (Bogota) et à Emily Harvey Foundation (New York).
Docteur en arts visuels de l'Université de Strasbourg, il a également été formé en art vocal au théâtre au Roy Hart Theater et en marionnette en théâtre musical auprès de professeurs de l'ISI (Bali, Indonésie). Il a également poursuivi des classes de maître avec différents artistes de la performance et de l'art action, notamment Sylvie Tourangeau, Ben Vautier, Genesis P-Orridge, Esther Ferrer, Arahmaiani et Jean Dupuy.
Il réalise des projets qui s'inscrivent à la frontière de l'art action, de la musique, des arts électroniques et des arts visuels. Il a œuvré auprès de nombreux organismes de production et de diffusion, notamment à Radio-Canada, à Chant Libres et au et à la Grace Exhibition Space (New York). Professeur à L’UQAM, il a codirigé le réseau international de recherche Hexagram entre 2015 et 2018. Il a enseigné aux étudiants des options théâtre et cinéma du baccalauréat interdisciplinaire en arts de l'Université du Québec à Chicoutimi, à la Chaire de recherche du Canada en dramaturgie sonore au théâtre et à l’Université Nationale de Colombie.
Brian McCorkle est compositeur, performeur et artiste numérique. McCorkle a été co-directeur du Panoply Performance Laboratory (PPL) pendant plus d'une décennie et est membre fondateur du Varispeed Collective de compositeurs-performeurs qui crée des événements in situ, parfois participatifs, souvent de longue durée et toujours expérimentaux. En tant que compositeur, McCorkle a écrit la musique de 6 opéras originaux avec PPL, ainsi que plusieurs partitions pour le théâtre, la danse, l'installation et l'art performance. Ses résidences incluent Yaddo, LMCC, Momenta Art et Harvestworks; McCorkle s'est produit à la Biennale de Venise, au Lincoln Center, au Festival d'Adelaide, à l'American Repertory Theater, au Guggenheim, au Kitchen, au Whitney, à l'Issue Project Room, au Danspace, au Roulette, au Stone et à PERFORMA, pour n'en nommer que quelques-uns. McCorkle est diplômé en littérature comparée, musique, informatique et mathématiques appliquées de l'Université du Michigan et de SUNY Albany.
Jill McDermid is artistic Director of Grace Exhibition Space since its opening in New York City in 2006. This organization is devoted exclusively to Performance Art. It offers an opportunity to experience visceral and challenging works by the current generation of international performance artists whether emerging, mid-career or established. Our events are presented on the floor, not on a stage, dissolving the boundary between artist and viewer. This is how performance art is meant to be experienced and our mission is the glorification of performance art. Grace Exhibition Space presents over 30 curated live performance art exhibitions each year, showcasing new work by more than 1000 performance artists from across the United States and the world since 2006.
Depuis décembre 2013, André-Louis Paré est directeur et rédacteur en chef de la revue ESPACE art actuel. À titre de critique et théoricien de l’art, il collabore à diverses revues québécoises se consacrant à l'art contemporain. Il est aussi l'auteur de plusieurs opuscules et textes de catalogue. En tant que commissaire d’exposition, il a signé ou cosigné plusieurs expositions d’art contemporain présentées à Gatineau, Montréal, Québec et Saint-Hyacinthe. Il a fait partie de plusieurs jurys d’arts visuels. Il est membre d’AICA Canada.
Né à Quito en 1989, Pipo Pierre-Louis est un compositeur, artiste en nouveaux médias et vidéo. Directement influencé par un milieu multiculturel et une grande variété de disciplines académiques, il se consacre depuis 2010 à la création de pièces qui mélangent musiques numériques, vidéo et dispositifs interactifs. Diffusé au Canada et en Europe, son travail vidéo s’est vu aussi primé en intégrant la collection d’art numérique de la EQ Bank.Il possède une maîtrise en composition électroacoustique (UdM). Parallèlement, son expertise comme technologue créatif l'a amené à travailler depuis 2015 avec plusieurs artistes de renom et des institutions culturelles comme consultant, développeur et technicien.
Fanny Pimpurniaux développe une pratique à la croisée de l’art numérique et des environnements immersifs. Diplômée en création numérique et nouveaux médias, elle conçoit des expériences qui articulent son, image et espace au sein de dispositifs sensibles et interactifs. Son travail ne se limite pas à une recherche esthétique : il s’inscrit dans une réflexion sur les limites des technologies et les systèmes qui façonnent notre perception. À travers des installations immersives, elle explore des processus de transformation où les médiums se contaminent, se traduisent et se recomposent. En créant des environnements instables et évolutifs, elle invite le public à expérimenter une perception en constante mutation, et à interroger sa manière d’habiter et de comprendre le réel.
Fanny Pimpurniaux develops a practice at the intersection of digital art and immersive environments. A graduate in digital creation and new media, she designs experiences that bring together sound, image, and space within sensitive and interactive frameworks. Her work goes beyond aesthetic research; it engages with questions about the limits of technology and the systems that shape our perception. Through immersive installations, she explores processes of transformation in which media intersect, translate into one another, and recombine. By creating unstable and evolving environments, she invites audiences to experience perception as something in constant flux, and to question how they inhabit and understand reality.
Originaire de St. John’s (Terre-Neuve), Kasey Pocius est un·e artiste multidisciplinaire situé·e à Montréal (Québec) qui a grandi en expérimentant avec des logiciels de montage audio et vidéo tout en poursuivant une formation classique en alto et en piano. En 2014, Kasey a commencé à se concentrer plus intensément sur la création d’œuvres numériques. Son travail explore à la fois les éléments synthétisés et la transformation des enregistrements de terrain pour explorer des concepts politiques et abstraits. En dehors des œuvres électroniques fixes, iel a aussi poursuivi des performances de médias mixtes en temps réel, à la fois en tant que soliste et dans des environnements collaboratifs collaboratifs tels que CLOrk & Fillesharmoniques.
VIANDE HYPER-SAVANTE : duo expérimental Maskinongé/Saint-Alphonse-Rodriguez:
Credo quia escam
Une suite de tartares bruitistes et post-post-club inspirée du terroir médiatique et sanguin de notre époque... Enregistré au studio La Dent Mystique entre novembre 2023 et août 2024!
Artiste sonore et plasticienne d’origine française, Gaëlle Scali vit et travaille à Montréal au Québec. Elle s’intéresse aux pratiques de composition musicale assistées par ordinateur, à la performance live électronique et à l’histoire des musiques électroniques. Également impliquée dans une démarche en art visuel, elle s’intéresse au territoire médiatique de la musique « techno » , à sa dimension technique, culturelle, sociale, esthétique et à la médiatisation du son dans les arts visuels. Ses recherches actuelles mettent en tension des systèmes visuels génératifs d'objets fractals à partir de la création sonore expérimentale pour la live electronic music. Avec l'aide de collaborateur.ices, elle élabore une interface numérique de musique-visuelle perçue comme une interface de composition post-picturale propice à l'exploration sonore et esthétique de paysages "cyberpsychédéliques". Ses créations sonores et ses recherches ont été présentées dans des festivals de musique électronique et expérimentale comme Mutek Montréal, Ars Electronica, Festival Montréal/ Nouvelles Musiques, Printemps de Bourges.
Vagin Soleil regroupe les deux musiciens précédents du XiXe siècle avec Karen Eliott Trudeau et Monty Cantsin Lehman, figures mystérieuses et talentueuses de l’underground et des musiques exploratoires au Québec et en Pologne depuis les années 1980.
Christelle Saint-Julien et Rosalie Chretien chantent. Leurs voix sont agrémentées d’effleurement de harpe, de percussions disparates et d’une panoplie de petits instruments et objets qui les inspirent. Leurs explorations collaboratives sont un partage intime inspiré du quotidien.
Alexandre St-Onge est un artiste intermédia ainsi qu’un performeur sonore. Il détient un doctorat en études et pratiques des arts et il est professeur adjoint à l'École d'art de l'Université Laval. Il a réalisé plus d'une vingtaine de publications et fondé une maison d’édition. Il a présenté son travail au Québec, au Canada, au Chili et dans divers pays d'Europe.
Henri Tauliaut et Annabel Guérédrat sont deux artistes et commissaires basés en Martinique, engagés dans le champ de l’art performance et des pratiques contemporaines transdisciplinaires.
Annabel Guérédrat est chorégraphe, performeuse et fondatrice de la compagnie Artincidence, créée en 2003. Son travail explore les relations entre corps, mémoire, territoire et enjeux postcoloniaux à travers des formes performatives engagées.
Henri Tauliaut est artiste et chercheur. Sa thèse, intitulée « Art biologique et numérique en relation avec le vivant chez les artistes contemporains de la Caraïbe et du continent américain », interroge les pratiques artistiques mobilisant le vivant et les technologies digitales dans les Amériques.
Ensemble, ils co-dirigent le Festival International d’Art Performance de Martinique (FIAP), plateforme dédiée à la diffusion, à la recherche et à la mise en réseau des pratiques performatives à l’échelle caribéenne et internationale. À travers le FIAP et Artincidence, ils développent des projets mêlant création, transmission et coopération, contribuant activement à la visibilité des scènes artistiques caribéennes dans les dynamiques contemporaines globales.
Ezra J. Teboul est artiste, archiviste, bibliothécaire et universitaire à Tiohti:áke.
Ayant grandi dans une famille de compositeurs, pianiste classique et titulaire d’un Ph.D. en Linguistique et Littératures Romanes (Romance Linguistics and Literatures) de UCLA, Loli Tsan est professeur de littérature médiévale à la State University of NY. Elle est l’auteur d’une thèse intitulée Fragmentation et Ecriture du Corps au Moyen Âge et d’un ouvrage intitulé L’Art à l'épreuve de la singularité. Sa recherche actuelle s’applique à la musique au-delà du son et étudie les parallèles entre l’art invisuel et la désintégration sonore en musique.
Après avoir fait des études en piano au Conservatoire de musique de Montréal et à l’Université de Montréal, Roxanne Turcotte se spécialise en composition et technologie musicale et en 1988, elle est la première femme acousmaticienne à s’inscrire aux études supérieures et obtenir une maîtrise en composition électroacoustique de l’Université de Montréal sous la direction de Marcelle Deschênes, ainsi qu’avec Francis Dhomont. Elle touche aussi à la composition instrumentale avec Serge Garant. Elle fait également des études en pédagogie (Université du Québec à Montréal) ainsi qu’un programme de technologie (Musitechnic et la SAT). Quelques résidences dont l’Académie Sampo, Saint-Etienne (France) pour la production de musiques mixtes. Compositrice et conceptrice sonore, son esthétique musicale repose sur un art d’intégration à caractère cinématographique et théâtral. Elle participe aussi à la création et l’exécution de musique pour la télé, vidéo, la radio, danse, la scène, les arts médiatiques et les arts du cirque, ainsi qu’à la création d’installations sonores, musicales et visuelles.
Keiko Uenishi est une artiste sonore et compositrice socio-environnementale, ainsi qu’un membre fondateur de SHARE.nyc depuis 2001. Elle est reconnue pour ses œuvres issues d’expérimentations sur la restructuration et l’examen des relations à travers la mémoire et la perception auditive, dans des contextes sociologiques, culturels et psychologiques. Son projet de recherche en cours, Partitions: Dividers, Connectors, Gray-zones, Neighbours in Aural Space, explore une « para-sphère » dans laquelle les stimuli auditifs franchissent les frontières perceptuelles, déstabilisant les relations, la mémoire, la reconnaissance spatiale et le temps. Parmi ses œuvres figurent Car décalé (légèrement), SOUNDLEAK: TheROOM (Simulation of Neighbours), et une interprétation performative de la partition-objet de Christian Marclay, Sixty-Four Bells and a Bow. Elle a co-créé avec Katherine Liberovskaya le projet d’install-action LandFilles. L’unité de feedback Emí no Izu a été initiée par Darryl Montgomery Hell avec Uenishi en 2021. Elle développe actuellement une nouvelle collaboration avec la sculptrice Manon Wada, dont la première est prévue en 2026. Le travail d’Uenishi a été présenté au Whitney Museum of American Art, au MoMA PS1, à Dia:Beacon, au Lincoln Center, à Eyebeam, à Skolska28, au Museu de Serralves, à l’ICA London, à la Tate Britain et au Taipei Artist Village. Parmi ses collaborateurs figurent Ricardo Arias, Klaus Filip, Miguel Frasconi, Richard Garet, HC Gilje, Darryl Montgomery Hell, Toshio Kajiwara, Takehisa Kosugi, Katherine Liberovskaya, Christian Marclay, Kaffe Matthews, Ikue Mori, Kurt Ralske et Manon Wada.
Keiko Uenishi is a sound art-i-vist and socio-environmental composer, and a core member of SHARE.nyc since 2001. She is known for works that emerge from experiments in restructuring and examining relationships through aural memory and perception within sociological, cultural, and psychological contexts. Her ongoing research project, Partitions: Dividers, Connectors, Gray-zones, Neighbours in Aural Space, explores a “para-sphere” in which auditory stimuli slip across perceptual boundaries, destabilizing relationships, memory, spatial recognition, and time. Her works include Car décalé (légèrement), SOUNDLEAK: TheROOM (Simulation of Neighbours), and a performative interpretation of Christian Marclay’s object score Sixty-Four Bells and a Bow. She co-created, with Katherine Liberovskaya, the install-action project LandFilles. The feedback unit Emí no Izu was initiated by Darryl Montgomery Hell with Uenishi in 2021. She is developing a new collaboration with sculptor Manon Wada, debuting in 2026. Uenishi’s work has been presented at the Whitney Museum of American Art, MoMA PS1, Dia:Beacon, Lincoln Center, Eyebeam, Skolska28, Museu de Serralves, ICA London, Tate Britain, and Taipei Artist Village. Her collaborators include Ricardo Arias, Klaus Filip, Miguel Frasconi, Richard Garet, HC Gilje, Darryl Montgomery Hell, Toshio Kajiwara, Takehisa Kosugi, Katherine Liberovskaya, Christian Marclay, Kaffe Matthews, Ikue Mori, Kurt Ralske, and Manon Wada.
Allen Vallières est agent de développement culturel numérique membre du Réseau ADN. Pour l’ARCQ, son mandat est d’accompagner les trente-sept radios membres de l’Association dans leur transformation numérique : streaming haute définition, balado, découvrabilité, médias sociaux, métavers, développement de site, stratégie numérique, infolettre, écrire pour le Web, monétisation, etc. Allen cumule trente-sept ans d’expérience en radio, dont la production d’émissions culturelles, Programme de Star à Rock-Détente, son fil d’Ariane vers la production de podcasts pour Productions du garde-robe, son entreprise de production mobile et d’accompagnement en création de balados. La dernière année et demie, Allen a produit soixante-quatre heures de contenu vidéo pour un projet de formation continue pour les trois associations des médias communautaires : l’ARCQ, l’AMECQ et la FEDETVC. Allen Vallières is a digital cultural development officer and a member of the Réseau ADN.
For the ARCQ, his role is to support the Association’s thirty-seven member radio stations in their digital transformation, including high-definition streaming, podcasting, discoverability, social media, the metaverse, website development, digital strategy, newsletters, writing for the web, monetization, and more. Allen brings thirty-seven years of experience in radio, including producing cultural programs such as *Programme de Star* on Rock-Détente, which served as his pathway into podcast production for Productions du garde-robe, his mobile production and podcast creation support company. Over the past year and a half, Allen has produced sixty-four hours of video content for a continuing education project serving the three community media associations: ARCQ, AMECQ, and FEDETVC.
Jean-Ambroise Vesac aborde la création sonore par l’improvisation et la programmation artistique, où son et image se confondent en une matière activée par le mouvement. Ses dispositifs, à la croisée du réel et de l’imaginaire, font de l’art un moyen de connaissance et d’émerveillement.
Dans les années 1980, il fonde Spinalien, groupe de Hard Free Jazz dans son village natal du Pays de Gex. Installé à Montréal dans les années 1990, il explore la performance multimédia en combinant peinture, vidéo et improvisation musicale. Il crée ensuite SLOD, formation d’électronique ambiante underground.
Depuis les années 2000, sa pratique intègre programmation, capteurs, robots et environnements visuels immersifs, contribuant activement aux arts numériques à Montréal. Installé en région depuis 2010, il se spécialise en réalité augmentée pour la performance sonore improvisée. Aujourd’hui, il conçoit des jeux vidéo artistiques où l’improvisation s’appuie sur des numérisations 3D de lieux de mémoire et d’espaces naturels, transformés en partitions vivantes.
Augur’s Wand est un duo de musique visuelle composé du compositeur Kristian North (membre étudiant, Concordia) et de l’artiste-ingénieur Mike Cassidy. À l’aide de Phosphene, leur synthétiseur sur mesure, ils donnent vie à des performances cinétiques mêlant son et laser, où le son, la couleur et la forme naissent d’une impulsion électrique commune. Poursuivant la lignée archéologique des médias basés sur les signaux, ils cherchent à transcender les hiérarchies audiovisuelles en privilégiant les atmosphères ressenties et les constantes de forme synesthésiques.
Augur’s Wand is the visual music duo of composer Kristian North (Student Member, Concordia) and artist-engineer Mike Cassidy. Using Phosphene, their custom synthesiser, they animate kinetic audio-laser performances where sound, colour, and form emerge from a shared electrical pulse. Extending the archaeological lineage of signal-based media, they seek transcendence of audio-visual hierarchies by prioritising felt atmospheres and synaesthetic form constants.
Manette Workman réalise des concerts dans des lieux inhabituels. Voici une captation réalisée dans la grande salle symphonique du Centre d'épuration de l'âme, en Interzone. Enregistré, devant un public invisible, le 9 mars 2024
Artiste interdisciplinaire, Zazalie Zaz (Nathalie Dion) participe sportivement à la vie culturelle depuis 40 ans. Elle trafique l’image, le son, les mots à travers la voix, la vidéo, la musique, la poésie, l’art web et la gravure et demeure active dans toutes les sphères de la création autant dans l’univers de la musique actuelle et expérimentale que dans le domaine des arts visuels et médiatiques. Boursière des Conseil des Arts (Québec et Canada ) et Récipiendaire d’une Bourse de la SOCAN à Toronto elle présente en tant que chanteuse et performeuse ses œuvres musicales et vidéographique dans divers Festivals et Centre d’Artistes ici et à l’étranger. Viva Voce Viva Voz! + Sacred Spirit et Zig Zag Z. ont été diffusées en Espagne; Musée d’art contemporain TEA Tenerife, Festival Espacio Enter (Tenerife, Canaries), au Festival Digital Media et Festival Observatori (Valencia) et LEM Festival (Barcelone) En Italie ; Festival Interazioni (Cagliari,Sardaigne) au Canada; Naisa Sound Play Festival (Toronto), LABO (Toronto), Factory Art Media Center (Hamilton), Centre d’Artiste Vaste & Vague (Carleton) FIMU (Trois-Rivieres), SHARE au Easter Bloc, Festival HTMLLES et Festival Voix D’Amériques (Montréal). Elle collabore en tant que chanteuse au Projet Yodel in Hi Fi produit par Darren Copeland et Bart Plantenga diffusé sur les ondes de Radio Naisa (Toronto) et sur Radio Wave Farm in Acra (New York) lors du Festival Deep Wireless à Toronto et sur l’album compilation Yodel OH No Yo! Wreck This Mess (Amsterdam). Auteure et interprète, elle a fait partie des formations musicales Nitroglycérine et Pois Z’ont Rouges et a tourné dans divers festival ; Festival de l’Humour (Bruxelles, Belgique), Montréal Musiques Actuelles et Festival de Musiciennes Innovatrices. www.zazaliez.com
Interdisciplinary artist Zazalie Zaz (Nathalie Dion) has been actively participating in cultural life for 40 years. She manipulates image, sound, and words through voice, video, music, poetry, web art, and printmaking, remaining active across all spheres of creation—both in contemporary and experimental music and in visual and media arts. A grant recipient from the Quebec and Canada Arts Councils and the SOCAN Grant in Toronto, she presents her musical and video works as a singer and performer at various festivals and artist-run centers, both in Canada and abroad. Her works Viva Voce Viva Voz!, Sacred Spirit, and Zig Zag Z. have been shown in Spain at the TEA Contemporary Art Museum (Tenerife), Festival Espacio Enter (Tenerife, Canary Islands), Festival Digital Media and Festival Observatori (Valencia), and LEM Festival (Barcelona). In Italy, her works have appeared at Festival Interazioni (Cagliari, Sardinia). In Canada, she has performed at Naisa Sound Play Festival (Toronto), LABO (Toronto), Factory Art Media Center (Hamilton), Centre d’Artiste Vaste & Vague (Carleton), FIMU (Trois-Rivières), SHARE at Easter Bloc, Festival HTMLLES, and Festival Voix D’Amériques (Montreal). She collaborates as a singer on the Yodel in Hi Fi project, produced by Darren Copeland and Bart Plantenga, broadcast on Radio Naisa (Toronto) and Radio Wave Farm in Acra (New York), during the Deep Wireless Festival in Toronto, and included on the compilation album Yodel OH No Yo! Wreck This Mess (Amsterdam). As a writer and performer, she has been part of the musical groups Nitroglycérine and Pois Z’ont Rouges, touring in various festivals, including Festival de l’Humour (Brussels, Belgium), Montréal Musiques Actuelles, and the Festival de Musiciennes Innovatrices.
Originaire de l'état de New York, Adam Zaretsky est un artiste, ou « bioartiste », qui travaille avec des pionniers du bio-art tels que Joe Davis, Oron Catts et Ionat Zurr. Outre les installations de bio-art sur lesquelles il travaille actuellement, Zaretsky a créé un grand nombre d'œuvres d'art numériques, de collages, de photographies, de performances et de conférences.
Si l'humour reste un pilier de l'œuvre d'art et de la pratique scientifique de Zaretsky, ses efforts sont fondés sur un complexe effort de compréhension des questions biologiques et génétiques, lesquelles font partie intégrante de la société contemporaine. À cette fin, les nouvelles technologies explorées à des fins scientifiques et médicales peuvent également être testées sur le terrain artistique. Il est possible de remettre en question le rôle de ces technologies et leurs implications pour les êtres humains sur les plans moral, politique et pratique.
Historiquement, ces questions ont rarement été abordées de manière positive.
Le travail de bio-art de Zaretsky est motivé par sa propre série de dilemmes éthiques suscités par l'histoire passée. La biologie a déjà été utilisée à des fins esthétiques, avec bien sûr des répercussions horribles. « Nous glissons vers l'eugénisme », commente Zaretsky. « Nous n'avons pas toujours fait preuve du meilleur goût. Non pas que les artistes aient toujours fait preuve d'un meilleur goût, mais ils ont fait preuve d'un goût obscur. Si nous commençons à concevoir des humains améliorés, il faudra bien que quelqu'un conçoive des humains « punk », des humains à carreaux. Ce dont je me rends compte », dit-il , »c'est que nous sommes sur le point de modifier génétiquement les êtres humains en fonction des modes populaires.»
Déplacer d'l'air se distingue comme étant le tout premier ensemble de saxophones et d'électroniques exclusivement féminin auDéplacer d'l'air réunit deux générations de musiciennes actives dans divers milieux professionnels et évoluant dans une multitude de genres musicaux tels que le rock, le jazz, le free jazz, l’expérimental , l’improvisation libre, la musique contemporaine et la musique électronique. Rassembler ces artistes est un acte d’unification, de création et de guérison à travers cette praxis féministe. Le travail de l’ensemble repose sur une approche musicale revendicatrice centrée sur la création collective pour son aspect foncièrement militant. Alliant différentes méthodes d'expression musicale dont l’utilisation des modes de jeux alternatifs explorant la technique étendue des saxophones et les combinaisons inattendues avec les électroniques.
Artiste-chercheur et organisateur/commissaire, stvn girard (né Steven Girard) est directeur artistique du Lieu, centre en art actuel à Québec, ainsi que de la Rencontre internationale d’art performance (RiAP). Il est également docteur en arts visuels, ses recherches portant sur la hantise des gestes pionniers de l’art performance comme constitutive de la discipline. Sa pratique explore les dynamiques d’amitié, de mémoire et d’hommage comme gestes critiques, inscrits dans une réflexion politique au sein des communautés artistiques et à travers leurs survivances.
Ses performances, présentées sur tous les continents à l’exception de l’Antarctique, s’inscrivent dans des relations amicales et souvent collaboratives, où le contexte local et microhistorique de l’art performance devient un élément constitutif de l’œuvre. En parallèle, il développe un travail d’écriture au sein de plusieurs périodiques culturels, dont Zone occupée et Vie des Arts.
À travers ses fonctions au Lieu et à la RiAP, il soutient activement la diffusion et le développement de l’art performance, en favorisant les échanges internationaux et leurs articulations entre théorie et praxis. Sa participation, autant que son rôle en tant que directeur artistique, s’inscrit dans cette continuité, à la croisée de la pratique artistique, de la recherche et de la mise en relation entre artistes et communautés.
Chœur queer est un ensemble d’explorations vocales né en 2022. Constitué de personnes représentant diverses lettres de l’acronyme LGBTQIA+, il kaléidoscope nos conceptions du genre, de la création artistique, de l’écoute en scène. Au moyen de spectacles de performance interdisciplinaire, de courtes prestations et d’ateliers de médiation culturelle, Chœur queer s’inscrit dans un esprit de démocratisation des arts vivants ainsi que d’ouverture à la diversité sexuelle et à la pluralité des genres.